Poesías, textos y fotografías de Jorge Luis Ramírez

2012-01-26T14:52:00.000-08:00

San José, 4 de noviembre 2011

La Fundación Imago, Cultura e Imagen para el DesarrolloHumano, cree que la imagen fotográfica y las construcciones digitales debenenriquecer la cultura y procurar el desarrollo de la humanidad. El mundo estáentrando en una revolución mundial al resquebrajarse el capitalismo occidental.Los ejes de poder están cambiando como vimos en Egipto y Libia. Alcanzamos ser7mil millones de seres humanos, con una creciente población vieja, que ennuestro país no tienen sus pensiones seguras. Con una creciente separación declases, incremento de los niveles de violencia y un vacío de sentido de la vidanuestro país no está exento a estos cambios.

El 2 Salón Anual de la Imagen 2011, propone un ENCUENTRO deartistas y autores, con diferentes puntos de vista y con pluralidad depensamiento donde podremos leer los discursos gráficos del Dr. Juan José Pucci,quien nos convoca a meditar sobre la historia de una institución como elSanatorio Durán y su significado; a Rocío Escobar quien nos plantea la vejez ysu problemática; a los estudiantes de la UCR quienes nos invitan a reflexionarsobre el retrato, identidad, memoria, etc.

Nos reuniremos los siguientes tres martes y jueves parareflexionar y debatir sobreIMAGEN+PENSAMIENTO, es decir, el significado de lo que hacemos.

Además, es un encuentro de fotógrafos documentalistas yartistas, entre los que todavía resuenan las palabras de Christian Boltanski:“La fotografía es el fotoperiodismo; el resto es pintura”.

¿Qué sentido tienen las imágenes? ¿Por qué es un imperativoexistencial crearlas? ¿Qué queremos decir, a quién? Las respuestas son tandiversas como los autores, y como diversas las técnicas, los formatos y los temas. Sin embargo, el éxito en la comunicaciónparece evadirnos porque es poco el impacto al gran público. Fuera del pequeñogrupo de siempre son pocas las personas que dedican un tiempo a leer discursosvisuales. Quizá por la escasa alfabetidad visual o porque se han hechomonótonos, o porque la competencia con la publicidad y la industria delentretenimiento ocupan nuestra atención.

Guy Debord en su libro La Sociedad del Espectáculo, nosdice: “ El espectáculo no es una colección de imágenes, si no una relaciónsocial entre la gente, mediada por las imágenes”. Esto es, que la concepcióndel mundo se ha materializado, una visión del mundo hecha objeto y que nosatrapa porque se vuelve más real que la realidad misma. La forma y el contenido son lo mismo imponiendo yjustificando las condiciones y las metas del sistema existente. Las imágenes noson gratuitas, sino que conllevan una responsabilidad muy grande crearlas yponerlas a circular, que no podemos obviar. Por ejemplo, el COSEVI abrió unestudio fotográfico donde cada foto cuesta mínimo trescientos mil colones. Yhubo en las primeras semanas quince mil clientes que tendrán una imagen de laparte posterior de su carro y su placa como foto del año. Nunca antes en estepaís se había estado tan atento a una fotografía, ni se ha discutido tanto alrespecto: Que muy cara, que falsa, que es inconstitucional, etc, etc.

Los señores del COSEVI son el estudio fotográfico máspróspero de Costa Rica recaudando más de cuatro mil millones en poco menos detres semanas.

Pero el resto de nosotros no tenemos la autoridad delCOSEVI, así que tenemos que echar mano de la creatividad y la imaginación.

Hemos visto como los movimientos fotográficos en otrospaíses como México y Colombia, para mencionar dos conocidos, crean discursosvisuales que impactan la sociedad y los llevan a las calles, paradas de buses,vallas de carretera, es decir, lugares públicos de alta circulación. La visióncrítica debe estar presente, y como cualquier crítica, debe revelar el discursoescondido.

Costa Rica como país centroamericano y latinoamericanocomparte preocupaciones comunes con países de la región, tales comonarcotráfico, ascenso de los niveles de violencia, migración y desplazamientode personas, problemas de salud, agua, energía, identidad, sexualidad etc. Haymuchos artistas visuales, y foto documentalistas que tratan todos estos temasde interés al gran público, con propuestas novedosas, críticas y de grancontenido emocional e intelectual. Creo que las posibilidades de las creacionesdigitales nos permiten una gama de posibilidades creativas que están revolucionandoel medio, y lejos de hacer la labor mássencilla, la hacen mucho más compleja.

Este año el Salón Anual de la Imagen quiere rendir homenajea dos artistas muy queridos. Karla Solano quien recibiera una gran distinciónotorgada a artistas excepcionales, el Premio Nacional en Artes 2011 (fotografía) Aquileo J.Echeverria. E Isaac Martínez por sus trabajos digitales y haber sido el únicolatinoamericano invitado a participar en el Congreso Mundial de FotografíaPanorámica, en Portugal 2011.

También aprovechopara darle la bienvenida y nuestro cariño y las gracias a la artista visualmexicana Arelí Vargas por acompañarnos en este 2 Salón de la Imagen, por susaportes, por su calidez y accesibilidad.

Agradecemosa Olympus, y a la Galería Nacional por su gran aporte y por creer en nosotros,sin los que esta exposición no hubiera podido ser montada. A la UCR, Rebeca Alpizar y Gabirela Calderón y a sudirector Eric Hidalgo; a la Escuela de Fotografía de la U Veritas, a sudirectora Ana Muñoz, a la Revista Repertorio a su gestor Paúl Aragón, a todoslos participantes y al equipo de trabajo de la fundación, a María Alfaro, MarioPeraza. Al equipo de JBP REYMA por su gran ayuda en el montaje.

Muchasgracias a todos por estar aquí.

Jorge Luis Ramírez

EPIDEMIA EN EL ASFALTO

2011-10-11T09:50:00.000-07:00

EPIDEMIA EN EL ASFALTO es el nombre de esta nueva serie de imágenes que estoy exponiendo en el 2 Salón Anual de la Imagen. En la Galería Nacional, Museo de los Niños. Inauguración 4 de noviembre a las 7pm.
...“las imágenes digitales están más cerca al espíritu del arte y la ficción que de la documentación y los hechos”. Geoffrey Batchen.
Esta declaración de Batchen me hizo meditar y pensar mucho sobre las posibilidades que ofrecen los medios digitales. Luego de haber leído La Cámara de Pandora, de Joan Fontcuberta, me di cuenta que la creación de una ficción tiene que tener una dosis de “verdad” o verisimilitud. De allí nació esta imagen que he llamado: Licencia para matar. Las otras creaciones digitales que conforman esta serie no siguen la misma línea, aunque si constituyen construcciones visuales a partir de signos y símbolos que forman parte del imaginario socio-cultural del costarricense. Usando texturas de latas arrugadas y vidrios quebrados como elementos simbólicos de la violencia y destrucción de vidas y propiedad, contrapongo elementos humanos que simbolizan individuos, y organizaciones que provocan y sufren esta autodestrucción. Las estadísticas están evidenciando que el tico no es pacífico, ni solidario, ni responsable y este trabajo pretende visivilizar esta realidad y problemática, llamar a una reflexión y a un cambio personal y efectivo. Las autoridades desgastadas e irrespetadas recurren a las acciones punitivas con infracciones y vigilancia por medio de cámaras. Existe suficiente conciencia sobre el problema, y los únicos que podemos lograr un cambio somos nosotros desde los diferentes campos de acción: Asamblea Legislativa, Poder Ejecutivo, Poder Judicial y desde nuestros carros.
La guerra en las carreteras de nuestro país es una guerra sin sentido, sin causa, sin ideología. No es defensa de alguna invasión o ataque foráneo. Al parecer, es más bien un síntoma del modelo de “desarrollo” que promueve la desigualdad y una sociedad de consumo donde el ser humano y sus relaciones se perciben como un bien mercantil.

EL PODER DE LA IMAGEN O DE LAS CAMARAS

2011-09-27T12:39:00.000-07:00

Ayer se publicaron en la Gaceta 15mil infracciones de tránsito que han puesto a los conductores de este país a temblar. No solo los multados, si no, los que no hemos sido multados. La prueba acusadora es una imagen digital capturada al activarse los sensores de radar que registran la velocidad de los vehículos. Este proceso se realiza a la velocidad de la luz, es decir, todo el proceso toma menos de un segundo.

Lo contradictorio es que las imágenes captadas por la tecnología imperante siempre mienten. Y no es por su suceptibilidad a ser intervenidas solamente, sino porque lo único que captan es que el auto en cuestión sobrepasa la velocidad a la que están programadas y asumen una infracción. Sin tomar en cuenta una serie de variables como emergencias, médicas o de otro tipo, falla mecánica del lector de velocidad del carro, u otras posibilidades.

Lo que es cierto es que los conductores están cambiando sus hábitos de conducir, ya que por lo menos, mientras pasan frente a las cámaras bajan la velocidad. Y eso es algo que antes no se pudo lograr. Es innegable que el sistema a ejercido su poder sobre los usuarios de las carreteras. Ya lo dijo Joan Foncuberta en su libro “La cámara de Pandora: La fotografi@ después de la fotografía” que las mal llamadas fotografías hoy día debían llamarse infografías, porque no solo incluyen en el caso en cuestión la información del número de placa del auto infractor, sino que incluye hora de la infracción, y lugar entre otros códigos de orden privado del sistema, que luego ordena la lista de infractores por día y número de placa y hasta número de cédula de dueño registral. La imagen convertida en el texto de una boleta de infracción de tránsito.

Que sirva esta situación para hacernos pensar en el PODER DE LA IMAGEN.

Jorge Luis Ramírez

ATREVETE A MIRAR

2011-09-21T14:48:00.000-07:00

La otra noche, el lunes 19 tuve el agrado de oír la ponencia de la distinguida foto reportera, Gloria Calderón Bejarano en el marco de la exposición de la Universidad Creativa: La Supremacía de la Imagen.

Su charla, El Poder de la Imagen, fue muy entretenida no solo por la forma amena en que ella expuso sus ideas y criterio, sino por lo informativa y el balance entre sus convicciones personales y su trabajo.

Gloria atinadamente citó las imágenes de fotógrafos inmortalizados con el Premio Pulitzer, y el de World Press. Entre las muchas imágenes que presentó destacan 2: De Kim Phuc – Vietnam Napalm de 1972 y la imagen del general Sur Vietnamita Nguyen Ngoc Loan ejecutando a un prisionero del Viet Cong en media calle, tomada por Eddie Adams.

Realmente estas dos imágenes cambiaron al mundo y muy especialmente a los Estados Unidos.

Pero ¿qué es lo que hace que estas dos imágenes, y muchas más parecidas, tengan tanto poder? Luego de meditar esta pregunta, que se hizo la señora Calderón y que contestó diciéndo que si una imagen te mueve, te hacer llorar, reír, etc, esa es una buena fotografía. Me aventuro a agregar a esa respuesta.

La diferencia está en que el fotógrafo se atrevió a mirar. Como decía Robert Capa, se acercó al sujeto. Pero no solo físicamente, si no emocionalmente. El reportero, el fotógrafo toma partido, se involucra en los sucesos que lo rodean, (dentro del marco ético de la profesión) si no, se arriesga a ser torturado por la imagen como le sucedió a Kevin Carter, con la famosa fotografía del niño y el buitre, quien terminó suicidándose.

Atreverse a mirar compromete al fotógrafo, al artista, al hacedor de imágenes, ya que estas no son gratuitas.
En Latinoamérica ha habido autores que se han atrevido de presentarnos imágenes revolucionarias, ya que han cambiado nuestra manera de mirar el mundo y a nosotros mismos. Pienso en artistas mexicanos y colombianos, pero también en nuestro país ha habido artistas como Jaime David Tishcler y Karla Solano, que nos han sacudido con sus sorprendentes imágenes. La misma Gloria ha logrado resultados conmovedores como las imágenes de las cárceles de mujeres y de la Reforma, por ejemplo.

En general creo que los fotógrafos costarricenses evitamos mirar demasiado a fondo. No nos gusta crear controversia, ni confrontación.

Nuestra idiosincrasia también alcanza nuestro enfrentamiento con nuestra realidad.

Hace poco presente un trabajo sobre la obesidad y la respuesta no se hizo esperar. Los espectadores me increparon por mi falta de respeto, por mi actitud juiciosa y por meterme en lo que no me importa.

Sin embargo, en las Naciones Unidas hubo recientemente una reunión para discutir la epidemia de enfermedades no transmisibles entre las que se encuentra como razón principal el sobrepeso, el sedimentarismo, el fumado, y el consumo de drogas. El cáncer, las enfermedades cardiovasculares y la diabetes tienen como común denominador las causas antes enumeradas.

Atreverse a mirar implica un compromiso con la imagen. En nuestro medio nos quejamos de que el arte no es tomado en serio por el público en general, y creo que eso es algo que tiene que cambiar.

Jorge Luis Ramírez

21-9-2011

IMAGEN EN CONSTRUCCION.

2011-08-18T15:44:00.000-07:00

IMAGEN EN CONSTRUCCION.

Centro Cultural de España

Agosto 10-25

Un título propicio para una exposición de imágenes que se creen fotográficas porque estudiantes de la escuela de fotografía de la Universidad Veritas son los autores.

Me gustó mucho ver estos trabajos, u obras, como se le dice. Porque de fotográfico no tienen nada y son la evidencia más ilustrativa de que la fotografía murió. Y que ahora estamos ante el reto de este siglo, el de construir nuestra imagen. Dice Joan Fontcuberta que la cámara ya no se limita a describir nuestro entorno, sino que ambiciona poner orden. Mucho se ha hablado de un nuevo orden, sin embargo no es tan fácil descubrirlo ni estar consiente de éste. Porque no es algo que descubrimos con una actitud fotográfica, si no más bien es una creación que construimos desde dentro. De allí que este quehacer en su mayoría virtual, se caracteriza por constituirse en un ensamblaje de conocimientos traducidos a un lenguaje visual. Lo que antes se escribía con textos, hoy se escribe con imágenes.

Lo fotográfico se entendía como documento de la memoria, como archivo de lo pasado y hasta como verdad. Hoy día la imagen es más discurso, más lenguaje y por lo tanto más concepto. La imagen, hoy día se genera en la mente y se proyecta, se impone al mundo. La imaginación y el discurso están sobre la técnica y sobre el objeto fotográfico, la foto. Dejó atrás su aura alquímica que capturaba el momento y la memoria.

Las nuevas generaciones tendrán que seguir construyéndose, deconstruyendo los viejos paradigmas y reconstruyéndolos en un proceso sin fin.

Marcz! Un joven artista hace una declaración que ilustra muy bien esta nueva aproximación a la construcción de imágenes digitales. El espacio urbano, construido, o deconstruido se le hace prisión. Su discurso no parte de la estética como justificación de la imagen. Tampoco trata de describir un lugar, ni capturar un momento.

La imagen del alambre navaja, no tiene un valor estético importante, ese no es el sentido. Es más bien el significado de este alambre.

“El espacio se refleja en violencia, el espacio se transforma en arma contra la que percibimos como amenaza.”

El texto anterior justifica la imagen. Este rótulo es pegado a manera de aviso sobre paredes exteriores de edificios por los que transitan los espectadores potenciales, que perfectamente pueden considerarlo un aviso, o propaganda de los productores de alambre.

El autor no considera la impresión un documento-objeto precioso que debía colgar en un museo. No es allí donde radica su valor. La imagen digital se produce en cantidades grandes y rápidamente, y se puede obtener una impresión decente sin ser un erudito en química. Se puede editar y aplicar texto. Su valor está en el hecho de que es una declaración que nos pone a pensar. No solo es la imagen, ni solo es el texto, sino más bien una combinación, una tensión que se crea entre ambos. Apela a lo subjetivo, a lo metafórico, a lo ficticio. No es lo que vemos, ni leemos, es lo que provoca. No está allí frente a nosotros sino está dentro de nosotros. Esta cualidad discursiva es lo que construye una imagen. No describe lo que nos rodea, ya que el alambre es usado como símbolo del espacio que contiene en cada vuelta, y que se transforma en el arma para protegernos.

Felicito a la Escuela de fotografía de la Universidad Veritas, por realizar este tipo de encuentros y por facilitar que sus estudiantes incursionen en nuevas conceptualizaciones de la imagen digital, que en la exposición completa se pueden observar.

REGENESIS por Mario Peraza

2011-07-07T14:34:00.000-07:00

PRESENTACION 7 de jullio 2011

MARIO PERAZA

REGENESIS

Es un privilegio y un honor que Mario me haya escogido para presentarles su obra REGENESIS. Conozco a Mario desde hace poco más de 3 años y he podido en este tiempo ver su obra en desarrollo, sus preocupaciones y su sentido creativo.

En Costa Rica no ha habido un trabajo de la envergadura del que vemos hoy. Involucrados diseñadores de moda, maquillistas y estilistas; Mario sintetiza todo el trabajo en una imagen trabajada digitalmente que nos ofrece una mirada, producto de la búsqueda de recrear una interpretación autóctona, de la fotografía de moda. Esta imagen nos transporta a un mundo mágico y metafórico donde habitan los avatares y los alter egos del mundo virtual contemporáneo. Un mundo que Mario entiende muy bien ya que él es un admirador de fotógrafos y músicos contemporáneos europeos y estadounidenses. Este mundo donde Mario crea ninfas y personajes mitológicos son parte de una búsqueda y trata de rearmar una historia perdida. El andrógino, es el rompimiento de códigos de maquillaje, que reta el patriarcado importado desde la colonia y busca un ser humano más balanceado e íntegro.

Vale la pena mencionar las imágenes bajo el agua, que más bien dan la impresión de ser trucadas, atentando contra su verosimilitud. El tratamiento las hace parecer un montaje, ya que en muy pocas ocasiones vemos fotografías submarinas tratadas con tanta meticulosidad técnica.

El autor nos propone una REGENESIS de la imagen costarricense usando la naturaleza como parte intrínsica de sus creaciones, recuperando el simbolismo del agua, de gestación, de baño, de purificación, y de transformación.

Mario también nos advierte de la vocación religiosa del costarricense con dos fotografías que se distinguen claramente. La primera, que nos muestra una virgen pálida, como un maniquí vacío por dentro, como reflejo de la pérdida de la confianza en las instituciones eclesiásticas.

Y la otra nos recuerda la ascención de Cristo, en pinturas como las de Rembrant, Giotto, o la transfiguración por Rafael, que nos dan cuenta de las influencias clásicas del autor. Pero esta imagen tan fuerte es casi una herejía al tratarse de una mujer y una mujer negra.

Con esta imagen Mario nos confronta con una realidad de nuevos valores donde la mujer es un ser humano con categoría ontológica propia, y que él trata con un respeto que se refleja en toda la muestra.

Hay otra imagen fuerte que es la representación de la muerte, y que confirma la influencia latina, sobre todo de México. En estas imágenes en que Mario y su equipo se entrelazan con una tradición latinoamericana logran desprenderse de la apariencia rural y tercermundista habitual al superar el realismo mágico y el indigenismo tratado desde una perspectiva exótica.

Porque esta obra, si la pensamos en el contexto latinoamericano, encuentra un mayor sentido regional al verse como parte de una abanico de planteamientos sobre nuestra identidad, partiendo de los códigos del vestido, el maquillaje y el peinado, que creo es donde radica su verdadero valor e impacto. Es hora de que nos pensemos como parte, no solo del medio costarricense, sino del medio latinoamericano.

Con gran calidad gráfica y técnica esta obra nos plantea de forma suave y gentil cuestionamientos de orden cultural, político y económico.

El pensarnos y mirarnos desde el ojo de Mario Peraza implica una revaloración de tradiciones añejas y muy desgastadas. Nos resulta refrescante y hasta novedoso esta propuesta, camuflada por una belleza vacía, como las promesas de una competencia despiadada del mercado, y que enfrenta un público acostumbrado a seguir los poderes hegemónicos que nos adoctrinan con imágenes redundantes y misógenas de chicas-objeto en playas solitarias, para alimentar la maquinaria del consumismo y nos alejan la vista de realidades dolorosas y los cambios que nos rodean. Con esta perspectiva este trabajo nos llena de esperanza ya que trasparenta los sentimientos de muchos.

Para terminar quiero hacer referencia a un grupo de amigos de Mario que están desarrollando este nuevo imaginario como son Oscar Herrera, José Madrigal y Juan Molina entre otros, que están desarrollando y puliendo un lenguaje propio, más honesto y humano.

Los invito a participar del 2 Salón Anual de la Imagen ENCUENTRO

GRACIAS.

JLR

1er. SUBASTA DE FOTOGRAFIA EN COSTA RICA

2011-06-28T13:49:00.000-07:00

Ciertamente un éxito, no solo por la asistencia al evento en sí, sino por las ventas realizadas, (8 obras) en poco menos de dos horas. La subasta se llevó a cabo bajo la modalidad de subasta silenciosa. Esta fue una primera aproximación a una actitud diferente de exponer las fotografías. Si bien es cierto se expone con precios incluidos en las fichas técnicas, esta exposición de las obras de algunos de los más connotados autores era especialmente una oportunidad única para su adquisición o compra. Los fotógrafos pusieron precios sumamente accesibles, prácticamente de oportunidad, la mayoría vendieron debajo de los mil dólares. Pero como toda actividad nueva la timidez de los compradores fue evidente. Quizá porque no estamos acostumbrados a este tipo de actividades, por lo que es importante irnos educando tanto oferentes como compradores. Esta actividad se estará llevando a cabo anualmente, así que esperamos verlos el año entrante, y prepárense a comprar, vengan con dinero disponible para aprovechar las oportunidades que les ofrecemos. Agradecemos a los fotógrafos participantes:
Abraham Baum
Carlos Jinesta
Elias Marin
Gloria Calderón
Irene Peña
Iris Odio
Isaac Martínez
Juan José Pucci
Jorge Luis Ramírez
Juan Molina
Julia Ardón
Karla Solano
Karen Clachar
Luis Diego Ramos
Mario Peraza
Mayra Bonilla
Rocío Escobar
Rudof Wedel
Zoraida Díaz
Además agradecemos a los patrocinadores y muy especialmente al señor Henry Abrahams dueño de la galería ARTE-HOY.

Mas allá de la piel, Exposición de fotografía en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica. Curador Jorge Luis Ramírez

2011-04-28T16:13:00.000-07:00

La teología cristiana consideró mucho tiempo que la sexualidad y el erotismo eran intrínsicamente demoníacos. Hoy día quedan muchas personas influenciadas por estas creencias, y la doctrina actual no ha hecho cambios significativos.

Las diferencias de género no se reconocen hasta hace apenas unos decenios. Antes se pensaba que la mujer era un hombre con sus órganos sexuales al revés, siendo únicamente su rol socio-cultural lo que la hacía diferente, la mujer no existía como categoría ontológica diferenciada.

El patriarcado ha dominado la escena social del mundo por más de dos mil años, y el movimiento feminista que apenas tiene cincuenta años, es el esfuerzo más importante realizado por las mujeres para reconocerse y ser reconocidas como las hembras de la especie con derechos iguales al macho de la especie.

Nuestros cuerpos han estado en medio de estas batallas y luchas de poder. Esto ha hecho que el desprecio físico del cuerpo originara deformaciones grotescas de la naturaleza humana. De acuerdo con los últimos adelantos de la Neuro-Ciencias el cuerpo y la mente están íntimamente relacionados y la salud integral solamente se adquiere manteniendo un balance armónico entre ambos. Pero el desbalance que ha distorsionado esta integralidad ha roto la posibilidad de que podamos aprovechar la energía vital, primitiva y natural, y esta queda reprimida por convencionalismos culturales y religiosos.

El machismo, la homofobia, la violencia intrafamiliar, la pornografía, la prostitución, los abusos sexuales contra niños por religiosos son algunos de los síntomas más visibles de estas deformaciones.

“Más allá de la piel” pone de manifiesto que ‘el cuerpo somos nosotros’.

La fascinación con el cuerpo humano, por develar su misterio, ha sido un imán que ayuda a compensar la presión generada por las represiones existentes y que han sabido utilizar muy bien las agencias de publicidad y de imagen. El cuerpo es la sombra, decía Carl Jung,“es un compañero sospechoso porque produce cosas que nos desagradan…”

Karla Solano en su obra, nos lleva a ver su cuerpo de forma diferente, fraccionada, cercana, aterradora.

La piel, joven primero, y madura luego; el detalle al que nos enfrenta la autora, nos obliga a volver a vernos como poseedores de ese cuerpo que somos y sentimos. Ese cuerpo que negamos y compensamos en un autoengaño sensorial. Compensamos lo que vemos en el espejo, obsesionados por un canon de belleza irreal y fabricado para provocar una frustración que nos obligue a consumir bienes y servicios que no podemos comprar. Lo que provoca una frustración perenne. Fraccionados por un sistema que fracciona, por un sistema de producción que divide y desintegra. La autora advierte este fraccionamiento que nos desintegra y nos deja en el vacío del sinsentido.

Juan Molina, nos recuerda que la vida no es blanco y negro, femenino y masculino, nos dice que existen otras formas de expresar la sexualidad. Lo hace con un exquisito uso de los códigos de vestimenta que definen los géneros. Vemos un hombre, desnudo, de muy buen físico, con zapatillas de mujer, que crean un choque de estereotipos que nos revelan misterios: un hombre puede usar zapatillas de mujer y que existen los homosexuales, el tercer género.

Jorge Luis Ramírez, se autofotografía a los cincuenta y un años de edad y efectivamente se reconcilia con su cuerpo que no puede escapar y se redescubre como cuerpo. Se fotografía a una distancia media, rescatando su masculinidad de un machismo castrante y degradante de la condición humana. Ramírez al igual que los otros expositores nos recuerda que la auto aceptación es siempre una actitud emancipadora de temores y culpas.

Genaro Mora, retratista de personajes y cuerpos de otros que aunque no se encuentran desnudos, sintieron la necesidad de ser fotografiados, inmortalizados, tema íntimamente entralazado con nuestro discurso sobre la finitud del cuerpo, la muerte. Toda fotografía retrata la muerte, dijo Roland Barthes. El misterio último, la descomposición del cuerpo, la corrupción de la piel, el pasar, la vulnerabilidad, la fragilidad.

Por Jorge Luis Ramírez,

San José, marzo 2011

Mas allá de la piel, poesía.

2011-04-19T09:48:00.000-07:00

La piel traspasa penetrante la energía viva
en el contacto erótico de cuerpos sedientos
y húmedos que resbalan en el tobogán
de emociones sin límites
de roces entre músculos y tendones erectos
en la penumbra que esculpen siluetas
entrelazadas en sensualidad.

Que rica es la tristeza derramada
en palabras sobre el cuerpo gastado
de promesas falsas.
El vacío come gritos de sangre
dejando sin fuerzas escapar
el absurdo amanecer.

El viento me encuentra en tus brazos cálidos
envuelto en esperanzas
lágrimas que florecen
bebidas en sueños de dos vidas
al estallar capullos de amores.

Mi piel sobre tu piel
mi aliento entre tus cabellos
respiro tu aroma en la habitación
penumbra suave de labios hinchados y erectos
como las almas sedientas
que temen perderse en la noche incierta.

Discurso Inaugural del 1er Salón Anual de la Imagen, 50 años de fototografía artística en Costa Rica 1960-2010

2010-12-06T06:56:00.000-08:00

Señor Ministro de Cultura y Juventud, Manuel Obregón

Señores fotógrafos(as)

Amigos todos

El hecho de que 35 fotógrafos (245 obras), esta noche 3 de diciembre, nos hayamos reunido bajo un solo techo para conmemorar 50 años de labor creativa en el campo de la fotografía, es una ocasión para celebrar.

Estamos celebrando la pluralidad de expresión a través de un medio que todos amamos, desde retratos hasta collages digitales, y proyecciones; desde imagen estereoscópica hasta el más riguroso trabajo de impresión en cuarto oscuro. Desde propuestas profundamente autobiográficas hasta discursos gráficos y documentales. En esta muestra se puede recorrer no solo el tiempo -50 años- sino que también estilos y maneras de usar la fotografía tan diversos como los autores mismos. Diseñadores gráficos, periodistas, fotógrafos profesionales, médicos, amateurs, arquitectos, editores, escritores, músicos, profesores, todos compartiendo una necesidad de expresarnos, y que suma el gran valor cultural de esta exposición.

La famosa frase de Laszlo Moholy-Nagy en1935, de que los iletrados del futuro ignorarían tanto el uso de la pluma como el de la cámara, cobra hoy una vigencia profética sorprendente.

También, nos encontramos hoy, NO ante la muerte de la fotografía, sino ante el nacimiento de la imagen digital fotográfica, todo un mundo y tecnología nuevos por descubrir y explorar los próximos 50 años, paradójicamente en un mundo predominantemente iconográfico, sobre el texto, donde carecemos del conocimiento para tomar una distancia crítica de las imágenes.

La fotografía nunca ha sido gratuita, siempre desde sus inicios ha habido controversia y discusiones que en algunos casos fueron fuertes. Costa Rica no ha sido diferente, en nuestro medio también existen posiciones encontradas sobre temas como: Etica fotográfica, enfoques ideológicos, aspectos legales del uso y distribución de las imágenes, y planteamientos docentes sobre qué y cómo enseñar los nuevos profesionales del campo de la imagen.

Esto nos indica que estamos alcanzando un grado de madurez importante en el que no cabe ya la ingenuidad ni la ignorancia.

Al montar esta muestra, por demás compleja, la intención ha sido ilustrarles a través de esta colección de imágenes, los cambios culturales e ideológicos que hemos sufrido en los 50 años pasados. Por ejemplo, desde el machismo que valoraba la fotografía en blanco y negro y que era practicada casi exclusivamente por hombres, pasando por un proceso de resquebrajamiento del patriarcado que se evidencia por la participación de atrevidos artistas que muestran desnudos masculinos, anunciando formas alternativas de ser, hasta el uso del color, y el hecho de que muchas de las personas que practican la fotografía hoy día son mujeres. También pueden ver en esta muestra trabajos autobiográficos de mujeres y hombres que celebran una muda de piel liberadora, que refleja cambios sociales, políticos y económicos, al atreverse a tocar temas tabú, como los auto desnudos, mientras otros se atreven a contar historias llenas de humanidad y poesía al fotografiar las particularidades de sitios mágicos, o ciclos transitorios, o semblanzas de una Semana Santa en Puntarenas.

Quiero agradecer a Carlos Francisco Echeverría por sus consejos y su ayuda, aun en momentos cuando todo este proyecto se veía tan lejano y por haber intercedido para conseguir este recinto. También tengo que agradecer a un grupo de soporte y trabajo que se unió para organizar este evento: Mario Peraza y Paúl Aragón en el área de diseño y montaje de la proyección que estamos disfrutando esta noche. A Alberto Coto por su ayuda en el montaje de las obras. A Julia Ardón, por su apoyo y por los bocadillos que nos regaló esta noche.

A las hermanas Bonilla, Mayra, Annie, y Amelia, por su ayuda y sus palabras de aliento. A Karla Solano por creer en este proyecto desde el inicio y por sus constantes palabras de apoyo. A Irene Peña, y Grettel Monge, por su ayuda. A Adela Marín, a Carlos Jinesta, Teresita Chavarria, Rafael Vargas y Adrián Valenciano por ayudar en los conversatorios que enriquecieron la investigación y el desarrollo de criterios. A Sayira Cerdas, Dorelia Barahona, y el Dr. En filosofía Pablo Hernández por sus enriquecedores aportes en cuanto a la cultura fotográfica costarricense.

También la empresa privada se ha unido a este evento. Agradezco a la empresa Olympus, patrocinador oficial a través de su gerente de Mercadeo Regional, la señorita Susana Mora, muchas gracias por su confianza y su pasión. A iCon de Costa Rica. A JBP y Retablos Reyma por su gran apoyo en el montaje, gracias don Rafael Ocampo y su equipo, al Club de Conocedores por sus aportes y a Tecno Frío por los cafecitos, a todos muchas gracias.

También tenemos que agradecer la Ministerio de Cultura y Juventud por su apoyo y aportes en el desarrollo de esta actividad.

Al Instituto Cultural de México por su hospitalidad en recibirnos con la mesa redonda.

Y finalmente gracias a todos los compañeros de cámara, de cuarto oscuro, de compu y programas y de fotos, gracias a todos por haberme honrado con su apoyo y confianza para organizar y hacer realidad este sueño, que al principio fue tan utópico.

A todos muchas gracias por estar aquí.

Jorge Luis Ramírez

Publicación en Ancora de la Nación 5-12-2010

2010-12-05T04:50:00.000-08:00

En enero, el 2010 estrenó año y buenas ideas. Una tarde de aquel mes, en la casa de Jorge Luis Ramírez, él y otros fotógrafos descubrieron que llevaban 50 años en el arte de cazar instantes con las fotos.

Aquellos amigos tuvieron entonces la idea de organizar actividades durante el año, y así se han concretado seis conversatorios sobre fotografía artística. Ramírez invitó luego a colegas que desearan aparecer en un libro; 32 de ellos respondieron “sí”, y sus fotos constan hoy en el libro Mirándonos.

Como las buenas ideas ya se conocen, una trae a otra, y de Mirándonos surgió la iniciativa de presentar al público una amplia exposición: 50 años de fotografía artísti-ca costarricense, que se exhibe en la Casa del Cuño (junto a la Antigua Aduana, en San José) hasta el viernes 10. Así, 34 artistas brindan 245 fotos en total.

Conversamos con Jorge Luis Ramírez, uno de los gestores del annus mirabilis, año admirable de la fotografía costarricense.

Ramírez (San José, 1956) estudió Artes Fotográficas en el Santa Ana College (California). Ha realizado varias exposiciones en Costa Rica y es autor de cinco libros de fotografía: We are nature, Los montes respiran, Hacer fotografía: Adrián Valenciano, Tejiendo sueños, En tiendo en tiempo y Mirándonos (La imagen fotográfica costarricense, 1960-2010).

Jorge Luis Ramírez ha impartido los cursos de historia de la fotografía y teoría de la imagen en la Universidad Creativa en San José.

–¿Qué es fotografía artística, y qué no lo es?

–Primero debemos tener idea de qué se considera arte. El arte siempre ha estado asociado con lo bello, lo armonioso y aquello que eleva el espíritu: lo que tradicionalmente se consideraba artístico. El concepto de arte evolucionó en el siglo XX cuando se produjeron algunos de los cambios más radicales. Marcel Duchamp utilizó un objeto encontrado y lo llamó arte; nacieron entonces los “ready mades”.

”En sus inicios, la fotografía imitó a la pintura; incluso, muchos pintores usaron cámaras lúcidas o fotografías como material para sus pinturas. Esas fotografías pictorialistas replicaban la visión impresionista. En aquellos años también se desarrolló el retrato que fue intervenido con pintura para darle color y una apariencia de pintura por su connotación artística”.

–¿Algún cambio más reciente?

–A partir de la década de 1960, en el mundo se afianza la idea de la conceptualización artística; así, la belleza ya no es lo más importante, sino que empieza a contar la idea que se expresa. Estos sucesos históricos nos han llevado a entender el trabajo artístico no solo como lo bello, sino como una propuesta o discurso. Este discurso no puede ser antojadizo, sino que es fruto de la reflexión y la investigación.

”La fotografía es un medio de comunicación, y, como tal, esperamos que nos diga algo. En nuestra sociedad, lo bello aparente ya no es suficiente; requerimos más: información, poesía, imaginación... La fotografía artística reúne características como las mencionadas.

”En la actual exposición podemos ver esa evolución: desde las fotografías bellas y armoniosas, hasta los discursos profundos y reflexivos que nos elevan el espíritu”.

–¿Por qué son 50 los años de la fotografía artística costarricense?

–Hay dos razones principales. La primera es que la mayoría de sus hacedores están vivos y es importante reconocerles que ellos fueron los pioneros. La segunda es que ya se han perdido muchas fotografías de períodos anteriores debido a la falta de aprecio por estos documentos históricos y culturales, aunque todos reflejan y construyen nuestra identidad.

”El arte refleja nuestra manera de sentir y de pensar; con los retratos fotográficos, nuestro modo de ser y de vernos. La fotografía se convierte así en una referencia de lo sucedido en nuestras vidas.

”El hecho de que la fotografía congela el tiempo y vuelve un instante en eternidad, también es una característica importante de este medio misterioso y mágico.

–¿Quiénes fueron los iniciadores de la fotografía artística costarricense?

–Fueron jóvenes fotógrafos como Adrián Valenciano, Mario Fernández Silva, Arturo Herrera, Rudolf Wedel, Víctor Vega, Jenaro Mora, Roberto González y Antonio Iglesias. Ellos surgieron en los años 60; se los conoció como el Grupo F6 y fueron una expresión sólida y viva. Hoy, solo algunos siguen trabajando, pero sus esfuerzos dieron frutos importantes, como la inclusión de la fotografía en los Salones Anuales y el inicio de cursos de fotografía en algunas universidades.

”Existen dos corrientes de pensamiento: la fotografía por medio de negativo y cuarto oscuro, y la generación de imágenes digitales. Algunos se atreven a decir que la fotografía ha muerto.

”Viniendo de una tradición de negativos y cuarto oscuro, creo que la generación de imágenes digitales es totalmente distinta. No me parece que se pueda hablar de que una sea más artística que la otra.

”La fotografía ha alcanzado niveles muy altos en belleza, profundidad de visión e interpretación de lo que vemos. Las imágenes digitales ofrecen mayores posibilidades de lenguajes complejos, que aún se investigan. La confusión se ha dado porque se ha imitado la fotografía con los medios digitales.

–¿Por qué habla usted de “fotografía autobiográfica”?

–No es un concepto mío. John Szarkowsky define la fotografía autobiográfica en su libro Mirrors and Windows (Espejos y ventanas). En algunas fotografías no se resalta el tema exterior, sino el reflejo de la personalidad del autor, su preocupación, su obsesión o su autorretrato.

”Adela Marín resume diciendo que la fotografía artística es “retratarse en el afuera”; es decir, el objeto de la fotografía pasa a segundo lugar, y lo que surge es el autor: ¿por qué escogió aquel sujeto, esta luz, tal composición, ese ángulo...?”.

–¿Puede ser artística una fotografía documental?

–Yo hago una diferencia con la fotografía periodística del momento. La fotografía documental es producto del estudio y de la investigación de alguna situación que le interesa al autor. Como en un cuento, una novela o una película, el documental fotográfico es potencialmente bello, informador, y puede despertar una respuesta emocional profunda en el espectador. Claro, también puede ser entretenida y que estimule la imaginación.

”El virtuosismo de cada autor, su dedicación y su pasión por el trabajo, marcarán la diferencia entre un documental fotográfico artístico y otro que nos resulte aburrido e intrascendente”.

–¿Aparecen tanto profesionales como aficionados en esta exposición?

–Sí, pero no aficionados simplemente, sino amateurs: aquellos que aman lo que hacen.

–¿Por qué ha afirmado que cierta fotografía era machista?

–No existe la fotografía machista, sino machistas que hacemos fotografía. Recordemos el machismo de los años 50, cuando el hombre no podía expresar sus sentimientos, cuando era más importante la fuerza, y la autoridad del cabeza de hogar era incuestionable. Esto ha ido cediendo frente a una revolución propiciada por el movimiento de la liberación de la mujer.

”Por eso, al inicio de los años 60 vimos que, aunque eran hombres con una gran sensibilidad, los fotógrafos seguían los valores tradicionales establecidos en Inglaterra por la Real Sociedad Fotográfica. Esta propiciaba el uso del blanco y negro, sobre el color, considerado expresión de mal gusto practicada por indígenas, pueblos subdesarrollados y mujeres.

”Sin embargo, hubo muchas más mujeres que hicieron fotografía que las mencionadas en los libros de historia. Además, se ignoraron los trabajos mortuorios, que ellas hacían al preparar los retratos de los difuntos rodeados de bordados hechos con los cabellos de los muertos, ya que la sola imagen fotográfica no era suficiente para recordarlos.

–¿Ha habido “discursos ideológicos” en la fotografía artística de nuestro país?

–Yo no diría discursos ideológicos como tales, pero sí vemos la ideología imperante reflejada en las propuestas, y de cierta manera se plantean alternativas. Tal es el caso de Karla Solano, quien propone una liberación del sistema en el que vivimos. Ella plantea una búsqueda de identidad propia, de independencia y autonomía desde un punto de vista femenino que abarca todo el abanico humano.

–¿Cómo se notan los cambios en los “discursos” a través de los 50 años de arte que se exponen?

–El cambio más notable se puede ver en el trabajo de Adrián Valenciano, quien en 1973 publicó el libro Ensayo fotográfico: Un grupo de 50 fotografías en alto contraste. Puede decirse que fueron imágenes frías, un diseño formal que evidencia un artista joven.

”Su segundo cuerpo de trabajo, La particularidad del sitio, es un discurso más cálido, que apela a las emociones, a la nostalgia de regresar a aquellos sitios que tuvieron una importancia en la niñez; un trabajo que evidencia un autor más maduro y seguro de sí mismo.

–¿Cuáles son los tabúes que objeta esta exhibición?

–El desnudo masculino es uno. Aunque el desnudo masculino era un tema en la antigua Grecia, hoy parece estar prohibido. En esta exposición no hay toda la cantidad de desnudos que fotografían los artistas, mas por lo menos se verá algo de este autopermiso que nos damos: fotografiar el cuerpo del hombre. Esto es muestra de un proceso de liberación de los hombres por mostrarse más humanos e imperfectos, y por dejar de lado el deber imitar a Superman.

–¿Hay rasgos específicos de la fotografía artística costarricense?

–Sí. La fotografía europea y la norteamericana se han interesado por temas que van más acordes con sociedades víctimas de un consumismo que no conoce límites; sociedades que afrontan un gran vacío existencial, un sinsentido de la vida. En América Latina –México, Cuba, Brasil, Argentina y otros países– hay una fotografía que plantea una búsqueda de identidad, luego de sufrir décadas de inestabilidad política. En Costa Rica nos ha interesado el ser humano. Este ha sido el centro de la atención desde los retratos de Jenaro Mora y los indigentes de Valenciano, y aun en las fotos de naturaleza de Mayra Bonilla.

”En muchas colecciones fotográficas sobresalen esos procesos de crecimiento y transformación. En Ciclos transitorios, colección de Luis Diego Ramos, encontramos el más explícito ejemplo de esta tendencia tica”.

Artículo en La Nación 27 nov. 2010

2010-11-27T10:04:00.000-08:00

La cultura costarricense y la ideología del tico se exponen en 150 imágenes, que recopilan los últimos 50 años de fotografía artística en Costa Rica.

Las imágenes en blanco y negro son parte importante del trabajo de Carlos Jinesta, quien se inició en 1970. Carlos Jinesta.

Esta muestra integra obra de 34 fotógrafos en la Casa del Cuño, ubicada detrás de la Antigua Aduana.

Jorge Luis Ramírez, curador de la exposición, explicó que la idea surgió a partir de la producción del libro Mirándonos, del cual es autor.

La publicación es un trabajo presentado en octubre de este año que recopila propuestas de 32 fotógrafos nacionales, la mayoría de los cuales participará de la exposición artística.

En la muestra hay dos grandes grupos según Ramírez: “la fotografía autobiográfica y la documental. Se muestra la cultura del tico y la vida nuestra”.

Identidad. Las fotos que compondrán la exposición se tomaron entre 1960 y 2010; sus creadores se encuentran entre los 20 y 80 años, lo que permite reflejar la evolución de cinco décadas en la fotografía artística del país.

Grettel Monge aseguró que su participación consiste en un documental de seis fotografías sobre la Semana Santa. “Me enfoqué en Puntarenas, desarollé la parte no tan ‘santa’ de la semana, pues esta celebración a veces se convierte en excusa para irse de vacaciones”.

La artista consideró que exposiciones como esta permiten que “la gente se entere de los trabajos que se realizan en el país y que hay nuevos fotógrafos”.

Karla Solano participa con macros del cuerpo humano. A respecto, dijo que son “tomas tan cerca de la piel que hasta parecen paisajes”. Además, comentó que “la muestra rescata la historia, pues sin historia no hay presente”.

La exposición será la primera en el Salón de la Imagen, un espacio anual para promover los valores artísticos, el cual será auspiciado por Olympus (empresa de cámaras digitales y accesorios). Abrirá sus puertas al público este 3 de diciembre y permanecerá hasta el 10.

Ponencia de Sayira Cerdas en la Mesa Redonda: La Cultura Fotográfica en Costa Rica los últimos 50 años

2010-11-22T05:18:00.000-08:00

El mundo del arte siempre questiona una cosa importante.

Hay mercados?

Iniciare con unas palabas de Joost Smiers. Profesor de Ciencia Política de las Artes. Utrecht School of the Arts de Holanda.
“El arte nunca ha sido marginal. Y hoy en día, eso es menos cierto que nunca. El cine el video y la música son grandes negocios, y la industria editorial también. Algunas zonas del mundo de las artes visuales son tan inestables como el Mercado de valores, y grandes sumas de dinero cambian de manos a cada instante.”

Durante veinte años como promotora de Arte y de artisas visuales he medido constantemente el Mercado del arte tanto local como regional, señalando a cada instante, que es necesario que los coleccionistas y amantes del arte apuesten cada día más en nuestros artistas, de otro modo el Mercado local no tiene forma de sostenenrse ni dar el salto hacia un Mercado secundario.
Dentro de estas mediciones constantes ví pasar a la fotografía del camino del fotoperiodismo, a la fotografía artistica; en donde cada día más estudiantes de artes gráficas y fotógrafos de carácter cultural o informativo pasan a retomar un sueño que no tenia muy claro el panorama; pero que podemos decir hoy, la fotográfia llego para quedarse como una más de las tecnicas que se comercializan en el arte visual contemporaneo.
Llenando hoy por hoy los mercados locales y regionales, cada día toma un espacio de mayor preponderancia en la oferta local siendo sin lugar a dudas una tècnica muy bien cotizada.
La fotográfia se ha logrado un espacio en tema de mercado artístico.
Es un espacio que ocupo por muchos años el arte gráfico o la obra con soporte sobre papel y no es que este espacio se lo quitará la fotografia a la grafica, no, no significa eso, significa que por la obra gráfica se pregunta cada día menos y por la fotografía cada día más.
Es simple hace 20 años se vendia más obra gráfica en nuestros paises que fotografía y hoy día porcentualmente se vende más fotográfia que obra grafíca y sin temor a equivocarme podría decir que la fotografía esta hoy día, en un, tu a tu con los ensambles y propuestas más vaguardistas. Tanto es así que los coleccionistas jovenes apuestan mas por la fotográfia, al ser una técnica de menor precio y con mayor facilidad de adquisición. Llegando al punto de no importarles tanto que sea una obra multiple.

Hoy por hoy los fotógrafos cuentan con nichos de público meta con los que otras líneas artísticas nunca contaron. Por ejemplo en las grandes ferias intenacionales hay galerias dedicadas solamente a la promoción, difusion y venta de fotografía; tanto es así que entre las feria satélites que rodean Artbasel Miami que es la feria de mayor importancia en America, hay una feria de Arte dedicada solamente a la fotografía- Foto Miami- que solo muestra fotografía o arte con soporte fotográfico.
Volviendo a lo local, hemos tenido la experiencia de ver crecer a jovenes fotografos en nuestros paises en grandes dimensiones y con maravillosos conceptos: Karla Solano, Rebeca Alpizar, Cecilia Paredes, Jaime David thisler, Yazmin Hage,Isaac Martines,Lucía Madriz y Ernesto Salmeron antes de su entrega a los ensambles. Como tambien hemos observado el crecimiento y vincualción de Mayra Bonilla. Mario Peraza, Jorge Ramirez y Julia Ardon entre otros, que han llevado su estilo personal y propio a un espacio de mayor creciemiento y riezgo en cuanto a tecnicas y soportes.
Vuelvo y repito el espacio esta, las vitrinas aunque pocas al menos en nuestro país exiten, los medios y las técnicas están en crecimiento y del Mercado ya tienen el apoyo, hay que seguir forjando el camino.
La fotografía Artistica o como propuesta artistica, llego para quedarse.
Sayira Cerdas Díaz.

Mudar la piel

2010-10-08T06:51:00.000-07:00

Mudar la piel de Karla Solano

Comentario por Jorge Luis Ramírez Octubre-2010

Rodeado por el sonido del ahogo que se dispersa por todo el recinto uno es sobrecogido por la ansiedad. Cada parte de la muestra refuerza el discurso de Karla.

Que fácil es perderse en los rincones de su piel o en las sensuales curva de su cuerpo, y no leer su discurso existencial.

Mudar la piel supone una piel anterior. La piel que nos impone la sociedad, la cultura, el mercado consumista que nos objetiviza y nos intenta transformar en una mercancía más, en ser cuasidivino, en respuesta última para todo. O se podría decir que el consumismo nos despelleja, nos castra. Sin embargo, la muda es parte de un proceso natural, o como en el caso de Karla es una decisión de desnudarse.

Sí, esa expectativa tan abrumadora ahoga. La imagen del cuerpo desnudo en el cielo (raso), como si fuera constelación, es reflejada en la tierra, en el agua, aterrizándola, convirtiéndola en una mortal más. No hay secretos escondidos bebajo de la piel, solo víceras, osamenta, y sangre. Tan mortal, tan terrenal como su media naranja.

Mudar la piel supone una piel posterior. La piel de la mujer madura empoderada, libre, independiente, autónoma que se nos muestra en toda su desnudez.

En una dimensión temporal que implica la muda, el ciclo, Solano nos lleva a través de obras que han madurado tanto como ella. Los relojes con sus manecillas en constante movimiento, nos obligan a ver el pasar del tiempo, y son de los pocos recursos de la artista que están en la pared. Karla juega magistralmente con el espacio, y con la imagen reflejada y en movimiento de sus videos. Literalmente nos conduce a su situación espacio-temporal. Su cuerpo es su discurso mismo, y en la muestra nos refiere al nuestro. Nos invita a oirlo, a verlo, a entenderlo, a descubrirlo como el cuerpo que somos, y no como el cuerpo que tenemos.

Karla nos demuestra su valentía y su honestidad al llevarnos por un camino que pocos transitan, y esto es algo que conmueve profundamente y ante lo que no podemos quedar indiferentes. La vulnerabilidad a la que se expone es la fuente de la aplastante fuerza que sentimos al ver esta exposición.

La muestra pone en evidencia, además, la gran creatividad en el uso de los recursos del lenguaje visual que la artista usa sin prejucios. No se mira al espejo –del agua- pero si nos invita a mirarla en su gestación amniótica del que renace nueva. En su lugar secreto, refugio, renovador.

Es definitivamente una muestra de inteligencia y vida que muy pocas veces tenemos la oportunidad de enfrentar en nuestro medio.

Gracias Karla.

LA CAMARA Y LA PLUMA.

2010-08-08T09:19:00.000-07:00

El 21 de julio pasado estuvieron en la Librería Internacional de Plaza Atlantis los fotógrafos Julia Ardón y Jorge Luis Ramírez tratando el tema: “La pluma y la cámara”.
Para iniciar Julia le pidió a Jorge que citara a Lazlo-Moholy Nagi porque le había llamado la atención ese texto. Parafraseando Ramírez dijo a los asistentes que la frase de Moholy Nagy decía que los iletrados del futuro son los que no solo no sabrían usar una pluma sino los que no supieran usar una cámara.
Esto fue motivo para que Ardón, con una calidez e informalidad que puso a la audiencia a gusto, contara como la fotografía había jugado un papel importantísimo en el desarrollo de su vida. Ramírez también puso de relieve el hecho de que las fotografía son textos que la mayoría de los espectadores no ve con ojo crítico, si no que más bien se traga los mensajes sin ningún tipo de filtración. Incapaz de leer las imágenes el espectador común no cuenta con la madurez necesaria para interpretar las imágenes. Está acostumbrado a un lenguaje visual que no pasa de un balbuceo. Ramírez tomó uno de sus libros y lo mostró a los asistentes, quienes vieron sus auto retratos desnudos, imágenes producto de un lenguaje maduro. Julia contó una historia personal de auto desnudos que había tenido efectos terapéuticos en ella y en el grupo con el que participó, explicando así los efectos terapéuticos de ejercicios de auto aceptación por medio de la fotografía. Fue un diálogo muy interesante que permitió la participación de un público que con avidez y risas, oyeron a los expositores contar las más diversas y divertidas anécdotas.
Ardón fue muy cándida y abierta al compartir con los asistentes las razones de fotografiar mujeres embarazadas diciendo que fue la primera vez que tenía permiso de verse gorda. Y no solo eso, sino que además era admirada y chineada por su pancita.
Lo que pudimos entender de esta amena charla fue que los fotógrafos en cuestión escriben sus historias con fotografías como lo hacen los escritores con texto. Las imágenes fotográficas decía Ramírez tienen una sintaxis, un significado semiótico, códigos y significados culturales que todos podemos leer en la intimidad de un libro. Por eso él hace libros, por demanda, con lo que puede darle salida a su trabajo a un costo muy bajo. Los interesados pueden pedir la copia del libro por Internet en www.blurb.com y en pocos días tener su copia del libro. Julia agregó que en estos tiempos de cambio hacia la cibernética y la digitalización de la imagen es un imperativo el estudio de las nuevas tecnologías. Los niños de hoy día manejan las computadoras con una facilidad impresionante, y no tenemos idea de lo que serán capaces de hacer en pocos años, dijo.

Fotografía Artísitca: ¿Un Concepto Falaz?

2010-07-16T06:59:00.000-07:00

La Fotografía Artística: ¿Un Concepto Falaz?

Fotografía artística es un término que entendemos de forma práctica y superficial (‘artístico’ es lo perteneciente a las Bellas Artes). En cuanto profundizamos en el concepto de fotografía, surge una serie de interrogantes que hacen que dicho concepto pierda claridad. ¿Se refiere a las fotografías, a manera de inventario, de pinturas, esculturas u obras de teatro? ¿O se refiere a una fotografía estéticamente bella, como puede ser un retrato de una mujer hermosa, de un atardecer o de un bebé? ¿O quizá a una fotografía perteneciente a la colección de algún museo? ¿Tal vez será porque fue tomada por alguna persona que tiene una sensibilidad especial, y además con quien se tiene amistad?

La expresión ‘fotografía artística’ es, por lo tanto, un concepto impreciso, y no nos orienta ni aclara unívocamente la actitud que se tiene hacia una imagen fotográfica. De hecho, la belleza no es la esencia de la fotografía. Diríamos más bien que ésta podría ser su capacidad de, por un lado, calcar la realidad, dándose a sí misma un valor propio de verdad, y por otro, de congelar un momento del devenir. En general, la actitud que se tiene frente a una pintura es más respetuosa que la que se tiene cuando se está frente a una fotografía, que potencialmente, podría hacer cualquiera.

El autor costarricense Adrián Valenciano propone un término que quizá puede ayudar a definir de una manera más precisa este tipo de trabajos llamados artísticos: la fotografía de autor. Valenciano se refiere a ésta como la fotografía que surge de un interés personal, y no se incluyen en este rango las fotografías por encargo, para participar en algún certamen, con fines comerciales, o producidas en un momento azaroso. Tampoco aquellas que son producto de una ráfaga de tomas indiscriminadas mediante el uso del motor de la cámara.

Valenciano apela, por el contrario, a una fotografía que implica un proceso reflexivo de madurez. Él mismo así lo dice en el libro de mi autoría, Hacer Fotografía: Adrián Valenciano: “Esta aceleración de resultados está más cercana de la selección que de la reflexión, momento indispensable en el hecho artístico, (en el arte no existen casualidades, solo existen accidentes mágicos que enriquecen algunos resultados).

Roland Barthes, en su libro Cámara Lúcida, se da a la tarea de definir la fotografía ontológicamente encontrando que este oficio no puede ser clasificado y que no tiene un “algo en sí mismo,” o lo que él llama “un genio propio.” Si la fotografía no es algo en sí misma, entonces ¿qué es? La fotografía es el resultado de la luz entrando por una lente hasta una superficie fotosensible. Es enigmática, es decir, es un hecho mágico porque se lleva a cabo en una caja negra. Confundimos la fotografía con el referente. Lo subyacente se torna vago, se necesita desarrollar una habilidad y conocimientos para aprender a leerla. Esto demanda energía y tiempo, cosas que muy pocos tienen o quieren, con respecto a producir y leer imágenes. La fotografía es, además, una experiencia que tiene connotaciones alquímicas y místicas. Nos enfrenta primeramente al negativo de la fotografía análoga y con esto a todo un universo de lo negativo, a la antimateria, en contraposición a lo positivo y lo material. Por su parte, la fotografía digital nos enfrenta al mundo del quantum del lenguaje binario, del microcosmos.

En contraposición a la inscripción del negativo –a manera de grabado- en una superficie de soporte, casi siempre papel fotográfico, Joan Fontcuberta analiza el hecho de que la fotografía digital traduce la luz a información codificada en ceros y unos, convirtiéndola en escritura, a manera de texto. Este es un concepto que comparto, y que me parece fascinante, ya que esto nos abre puertas antes insospechadas para escribir con imágenes: ¡La revolución del texto y de la lectura!

Somos bombardeados hasta el aturdimiento y la ceguera con imágenes que nos afectan, aunque no tengamos conciencia de ello. La fotografía es mucho más de lo que hemos estado acostumbrados a pensar y a ver. Ver es una actividad que realizamos todos los días y que tomamos por sentado. El acto de ver ha sido estudiado y analizado desde el punto de vista fisiológico y psicológico, y últimamente se han hecho descubrimientos asombrosos. En tiempos antiguos, los profetas fueron llamados ‘visionarios’, por su habilidad para ver.

En El medio es el mensaje, Marshall McLuhan dice: “Los ambientes son invisibles. Sus reglas de juego, sus estructuras dominantes, y sus patrones globales, evaden la percepción sencilla. (…) El poeta, el artista, el sabueso, cualquiera que afine su percepción, tenderá a ser antisocial: rara vez ‘bien ajustado’, no puede ir con la corriente. Existe un extraño lazo entre los tipos antisociales y el poder de ver los ambientes tal como son.” En otras palabras el fotógrafo es la persona que, por su sensibilidad y sus conocimientos, descubre lo oculto y lo muestra con la esperanza de que su discurso sea entendido por los espectadores.

También me gustaría citar unas palabras de Henry Holmes Smith en su ponencia Photographs and public: “Los editores de imágenes, al trabajar en busca del estándar de una imagen que muchos puedan disfrutar en su prisa o distracción, han formado un lenguaje de la fotografía que parece un hablado de bebé.” Y continúa: “La fotografía expresivamente madura ofrece apenas una comunicación casual y superficial al público en general, porque estas audiencias no esperan ni tratan de lidiar con el lenguaje de adulto que allí se encuentra. Esto es la consecuencia más importante, creo, de una mala preparación para leer fotografías” (el énfasis es mío). En otras palabras, el hecho de poder ver no significa que entendamos lo que vemos.

En este contexto podemos ver que la fotografía artística o de autor costarricense no escapa de estos procesos. Cuando empezamos allá en 1960 y 1970, no entendimos ni sospechamos lo que sucedería hoy. Lo que buscamos es que no sea necesario estar iniciando y reiniciando, porque no recordamos la historia. No creo que lo que hicimos en aquellos años se pueda ver como un arrebato rebelde adolescente porque creo que en ese entonces se quedara en un hablado de bebé. Sin embargo, ya han pasado cincuenta años, y los que hemos seguido haciendo fotografía, hemos madurado tras una larga reflexión y el desarrollo de un lenguaje propio y robusto.

La fotografía fue a la imagen lo que la imprenta al texto. Creo que por esta razón la fotografía está más cerca de la literatura que de la pintura. Una fotografía tampoco es fotografía mientras no esté impresa. Si se queda en el ámbito del monitor no pasa de ser una imagen espectral sin substancia, y por lo tanto, sin identidad, sin capacidad de formar identidad.

Lo fotográfico no es, entonces, algo que se produzca espontáneamente. Tampoco es una producción antojadiza, ya que cada día se refina su lenguaje visual y se tiende a la promulgación de una sintaxis consensuada que permita lecturas más exactas. Es más bien el resultado de una actitud valiente que desafía el status quo y que nos da nueva información para comprender el mundo que nos rodea, que se sale de la corriente redundante de imágenes que nos adormecen y de la adicción a los equipos automatizados y programados para satisfacer el insaciable apetito consumista de nuestro tiempo.

Jorge Luis Ramírez.

Julio, 2010.

ENCUENTRO DE DOS VISIONES

2010-06-25T06:08:00.000-07:00

Conversatorio de Carlos Jinesta y Karla Solano
“Un encuentro de dos visiones”

En una noche sin lluvia el pasado 17 de junio en la Librería Internacional de Moravia se presentaron los artistas para compartir con una nutrida audiencia de estudiantes y amantes de la fotografía.
Don Carlos inició el coloquio dando una serie de declaraciones y contando anécdotas cándidas y cálidas sobre lo que ha sido su vida como fotógrafo y las diferentes experiencias que ha tenido en relación con este oficio del que se enganchó desde que era estudiante en California y vivía al lado de unos jóvenes que tenían un cuarto oscuro en su apartamento. Jinesta prosiguió compartiendo lo que significa para él la fotografía análoga, su experiencia en el cuarto oscuro y todo el proceso de revelado e impresión de sus fotografías en blanco y negro.
También compartió su afición por el retrato, de familiares y amigos; además de su interés por el paisaje costarricense y las fotografías de árboles. Nos contó que el fotografía árboles que él mismo ha sembrado, y de vacas que después de pasar un verano en Guanacaste, aunque están delgadas se le presentan muy dignas, estampa que no puede resistir.
Hizo también alusión a la dura y contrastante luz tropical en comparación con la luz de los países del norte, más suave y estable. Se confesó un perfeccionista, tanto como Ansel Adams, de quien deriva una gran influencia. Y comparó sus fotografías de 35mm con las de gran formato del maestro, como si él trabajara gran formato dentro de la cámara pequeña, lo que en algunas ocasiones le ha costado no hacer la fotografía porque anticipa la frustración de no poder lograr su calidad de impresión. Contó una anécdota sobre cómo le prohibieron en alguna ocasión exponer sus fotografías en el Museo Nacional, porque no las consideraban obras de arte. Y siguió con otra historia de cuando fue a ver una exposición de fotografías en la galería García Monge, donde el guarda había cerrado para ir a tomar café. Eso le obligó a ver las fotografías a una distancia mayor de la que él usualmente usaba para ver fotografías. Y notó a la distancia algunas que le llamaron la atención y otras no. Cuando finalmente regreso el guarda y pudo entrar a la galería se dio cuenta que su interés por las fotos continuó siendo el mismo, a pesar de que ahora podía acercarse. Descubriendo que para ver fotografías o arte en general debe de hacerse desde la distancia y no desde cerca. Prefiere usar película y el método artesanal de hacer las fotografías sobre el digital, sin embargo, aprecia y reconoce el potencial de la fotografía digital.
Como lo dije esa noche, desde que ví el trabajo de Carlos me enamoré de su delicado acabado y virtuosidad en la ejecución de sus impresiones. Con la misma delicadeza con que fotografía una bella mujer, fotografía los árboles y las montañas de nuestra campiña. Además tiene la capacidad de fotografiar los sabaneros y campesinos en estampas verdaderamente conmovedoras, sin caer en la imagen cliché; en vez, su aproximación al tema le imprime una dignidad que inspira respeto y admiración por el jinete o agricultor. Desarrolla su trabajo instintivamente y con un énfasis en el disfrute de hacer las tomas, logra unas imágenes con gran armonía visual y una paz que refleja su respeto por sus sujetos y por el quehacer fotográfico. Sin duda, uno de los grandes fotógrafos de nuestro medio.
Karla Solano tomo el resto de la noche, también con una cálida y emotiva presentación. Nos contó como de niña veía en un libro de medicina de su abuela unas láminas que le impresionaron mucho, y se dijo en ese entonces:
-Algo voy a hacer con esto algún día.
Ese día llegó sin lugar a dudas cuando realizó el trabajo que la marcó como una de las grandes artistas costarricenses: “Espejo interno” obra realizada en 1996.
Nos compartió sus experiencias en Shangai, y en Venezuela. En China, nos dijo, hice un cuarto donde pasaban los espectadores y eran rodeados por piel. -Me hablaban consternados, y aunque no entendía lo que decían podía ver su inquietud. Y continuó,- Siempre he querido ir más allá de la simple fotografía. Como si no le alcanza el recuadro fotográfico y se le agotara el espacio Karla busca transmitir emociones y que las personas se involucren con su obra.
Nos contó como se auto fotografía y se hace videos. Aún lo hizo mientras se cocía la mano, inspirada por un juego de infancia.
Hace investigación sobre el arte y el cuerpo, y sobre sus significados a través de la historia, sin embargo, su trabajo lo realiza de una forma libre e intuitiva. Se inició en la fotografía desde los años 90, cuando se encontraba el mundo en una crisis de valores que cambiaron para siempre la estructura de la familia; también se impone sobre la mujer exigencias físicas y standares de belleza inspirados en las super modelos de revistas de modas y estrellas de cine.
Realmente puedo ver en el trabajo de Karla una respuesta contra esta avasalladora violación de los valores femeninos y contra las fuerzas que atentaron contra su familia. La figura que se cose en la mano, es una casa, un hogar, como queriendo coserlo en el tiempo, que ni la misma fotografía puede detener, pero por lo menos, si embalsamar.
Compartió que sus trabajos son exorcismos, que le permiten expulsar demonios de su sistema, aunque yo diría que más bien existe en sus obras una constante reconstrucción y deconstrucción, como ecos de los siclos de muerte-vida-muerte, o de lunas llenas y lunas nuevas que experimentamos los seres humanos que estamos vivos. Como vasija para ser penetrada hace fotografías de gran formato donde cubre edificios con puertas, y la gente, reducida ante estas enormes imágenes de su cuerpo entran y salen, como entrando y saliendo de ella. En una metáfora de madre y tumba, que nos sorprende, algunas veces dando a luz y otras cautivándolo todo.
También hace investigación de su piel y ve diferentes rincones de su cuerpo con un asombro infantil, que en forma lúdica, arma para enseñarnos un paisaje diferente y provocar una percepción diferente de nuestros propios cuerpos.
En su obra no predomina la sensualidad ni el erotismo, porque no los percibimos como ella nos los muestra, sin embargo el acercamiento a su piel y su cuerpo nos lleva a una intimidad difícil de asimilar y entender.

Fue una velada exquisita donde durante dos horas y media compartimos con dos fotógrafos excepcionales de nuestro país.

Jorge Luis Ramírez
Junio 2010

EL ARTISTA VRS. EL AUTOR

2010-05-25T06:29:00.000-07:00

El Artista vrs. El Autor

“Yo no me considero artista, me considero autor, porque el artista vive con expectativas, el autor asume una responsabilidad”

Adrián Valenciano.

Es interesante pensar en esta declaración que diera el fotógrafo-autor Adrián Valenciano, en el primer conversatorio de la celebración de los 50 Años de Fotografía Artística en Costa Rica 1960-2010.

Su declaración es tan fuerte y tiene tantas ramificaciones que inclusive se sugirió cambiar el nombre de la actividad a 50 Años de Fotografía de Autor en Costa Rica 1960-2010.

Valenciano es sin duda un autor, publicó su único libro en 1973, Ensayo Fotográfico, y luego se dedico a la docencia. Durante aproximadamente treinta y siete años asume la responsabilidad de esa publicación. Hasta el año pasado -2009- no había hecho ninguna exposición; pero para hoy, mayo del 2010, expone su nuevo trabajo La Particularidad del Sitio. No se puede negar que ha habido una gran cantidad de expectativas generadas por esta nueva exposición.

¿Es entonces la expectativa y la responsabilidad, dos caras de la misma moneda? La respuesta a esta pregunta nos la tenemos que hacer todos los que hacemos algún trabajo creativo. El balance entre ambos polos debería ser lo ideal, pero cómo nos cuesta. Hay momentos en los que la ansiedad y las expectativas de presentar un nuevo trabajo o la continuación de un proyecto de largo plazo, nos abruman, olvidando que existe una responsabilidad implícita en lo que hacemos. Pero como sabemos, el momento de la creación no es el momento de la razón, sino el momento del sentimiento y la acción. ¡Ay! de aquellos que trabajan irresponsablemente porque la historia se los cobra, y la historia suele ser cruel e implacable.

El trabajo creativo es instintivo e infantil, es lúdico y misterioso. Es un juego donde el azar y lo espontáneo se mezclan para llevarnos a niveles inquietantes. Rollo May en su libro The Courage To Create lo describe así:

“Vivir en el futuro significa brincar en lo desconocido, y esto requiere valor para lo que no hay precedente y que muy poca gente entiende”[1]

Cuando creamos nos transportamos al futuro, y por lo tanto es inevitable sentir expectativas. Sería como decirle a una mujer embarazada que no espere a su bebé. De tal manera, que el acto creativo podemos decir, incluye intrínsicamente una dosis de expectativas. Pero una vez que la obra ha sido finalizada y enseñada, la expectativa desaparece porque cumplió su función. Algunos artistas aluden a este proceso porque los mantiene jóvenes, ya que la actitud de producir es de alguna manera una característica juvenil.

De allí en adelante se trata de responsabilidad. La parte más dura del proceso, -quizá en este país- donde los foros y las discusiones intelectuales son escasas; donde las publicaciones y los coleccionistas no existen, entonces la obra pierde sentido. En muchos casos, en los creadores, se entrona un resentimiento y en otros la apatía. Solo algunos pocos asumen su responsabilidad y se dan a la tarea de llevar su trabajo fuera del país, y otros se dedican a la docencia, mientras que otros se dedican a promover actividades donde se crea público y se le hace ver ese mundo “desconocido”.

En Costa Rica tenemos una actividad fotográfica muy grande, con fotógrafos de talla internacional, así que hay muy buenas expectativas de que este esfuerzo, de conversatorios, sean los primeros de muchos foros futuros.

Lo resumió muy bien la fotógrafa Julia Ardón:

“Es la primera vez en mi vida que veo que se hacen este tipo de actividades, y me parece muy interesante que tengamos un tiempo para mirarnos”.

Jorge Luis Ramírez

Mayo 2010

[1] The Courage To Create, Rollo May, W.W. Norton&Company Inc. NY, USA.

¿Qué significa tu fotografía?

2010-04-06T16:47:00.000-07:00

“La triste realidad es que la mayoría de los fotógrafos no escriben o discuten sobre su propio sistema de valores porque no lo tienen... Un fotógrafo sin convicciones personales y sin un sólido planteamiento, tanto hacia el medio como hacia el mundo es su más amplio sentido no es un fotógrafo digno de este nombre. Lo que su fotografía significa debe ser su principal cuestión a dilucidar. Y si el fotógrafo rechaza ( o no puede, pero ni tan siquiera lo intenta) asumirla, debemos presumir consecuentemente que su trabajo no significa nada.
Bill Jay
Negative/Positive: A Philosophy of Photography,
Dubuque, Iowa, 1979.

Ha sido la foma de trabajo de los fotógrafos tomar fotos, no hacer fotografías. Cuando un fotógrafo hace fotografía tiene que tener un planteamiento teórico, o marco teórico de su proyecto. ¿Cómo se consigue un marco teórico? Generalmente no es algo inventado a la ligera para cumplir un requisito, ni para producir material para exposiciones o certámenes. Eso es falta de respeto a la fotografía, del fotógrafo a sí mismo, y a los espectadores. El marco teórico es más bien el resultado de la reflexión sobre alguna preocupación personal. Hay gente a quien le preocupa el tiempo, a otros talvez les inquieta la muerte y sus misterios, a otros puede ser que les preocupe quiénes son, o qué creen, dónde está su fe arraigada, etc. Por lo general el fotógrafo le dedica tiempo a esta inquietud y luego empieza a hacer sus aproximaciones al tema. Y puede reflexionar, conversar y leer sobre el tópico que le preocupa durante años, generalmente es así. Y su cuerpo de trabajo empieza a reflejar de manera espontánea las respuestas que busca. Estas respuestas son tan variadas como la persona, la cultura en que se desenvuelve, la ubicación geográfica, el idioma, su educación, en fin toda una gama de variables. Inclusive la edad, y la madurez tienen que ver con estas respuestas que evolucionan en el tiempo. Se convierte en un proceso que nunca acaba, pero que se desarrolla de manera natural.
Creo que la fotografía es como la poesía en que presentan una imagen, que a la vez provoca una emoción. Existe el texto científico y existe la fotografía descriptiva, pero al trascender y convertirse en un lenguaje sugerente tiene la posibilidad de imprimirse en la mente del observador, que es finalmente, quien le da sentido al trabajo. La mayoría de los fotógrafos buscamos que nuestras respuestas, con un espíritu generoso, sugieran respuestas a otros. Se deja atrás, entonces, la búsqueda de la fotografía monolítica, única-superior, y se descubre que el quehacer fotográfico, como las otras manifestaciones artísticas, son una búsqueda de toda la vida, que luego de años vemos hacia atrás como quien ve la estela de un barco en el mar.
Lo demás no significa nada.

sábado 13 de marzo de 2010 ¿QUÉ QUIERE EL ARTE CONTEMPORÁNEO DE LA CRÍTICA?

2010-03-15T17:36:00.001-07:00

Sala de Gabriel Orozco, sala de Tim Burton y sala de Gebriel Orozco, todo en el MoMA.

Quiere halagos, desconoce que la crítica no sólo puede estar a su servicio, como están acostumbrados, también puede ser transgresora. El arte contemporáneo exige que todo nos guste. Si cuestionamos el valor de sus obras y las vemos como lo que son, sus artistas, curadores y apologistas adoptan la arrogante postura de que nos falta “rigor”. La contemplación y la observación son un proceso racional, no de sumisión. El que contempla, razona y por lo tanto cuestiona. Exigir que no cuestionemos y que debemos pensar y ver las obras como ellos lo dictan vuelve a la apreciación artística un asunto dogmático y una imposición necia. Suponen que debemos por obligación sentirnos subyugados por basura: tapas de yogurt, cajas de cartón, zapatos, cochecitos de juguete, dibujos que en realidad son ejercicios escolares, no obras terminadas. La locación es irrelevante, que se encuentren en un museo como el MoMA o la Tate no cambia su situación de objetos sin valor. Si el arte es un proceso intelectual ¿Por qué se asustan de que hagamos uso de nuestra inteligencia para verlo y analizarlo? ¿Y por qué esperan que ese análisis sea siempre favorable? Insisten en que reseñemos el acontecimiento social. La reseña es crónica, no crítica. El trabajo de la crítica es analizar las exposiciones y la obra en su desarrollo en el museo, no el coctel.

A la inauguración de Gabriel Orozco en el MoMA con seguridad fueron cientos de personas, porque CONACULTA les pagó todo a sus invitados y evidentemente ellos retribuyen el favor hablando bien del evento, para eso los llevan. Sería interesante conocer cuánto le costó a CONACULTA montar esa exposición y llevar incondicionales con el presupuesto austero que se supone que manejan. A principio del mes de febrero, cuando asistí a la exposición, las salas de Orozco estaban vacías, el millón de personas que acudió al museo fue a ver la exposición de Tim Burton para la que había salas saturadas y colas interminables. Que todo el público entre por la misma puerta no significa que vaya a las mismas salas. Tan desproporcionado es haber visto a Orozco en el MoMA como haberlo visto en Bellas Artes en México. La obra no tiene calidad para estar en ninguno de esos recintos y que la situación imperante de falsa valoración del arte contemporáneo impulse que sucedan estas exposiciones no hace valiosa la obra ni la convierte en lo que no es, como tampoco la trasforma que citemos a Orozco justificando sus ocurrencias con retórica. Que el Estado lo haga artista por decreto no significa que los objetos sean arte por decreto. Una caja es basura como lo es un par de zapatos viejos, por eso en la entrada de la sala de la exposición requerían de un guardia que alertara de no patear la caja, porque no es arte, es basura.

Al Elevador nadie entraba y en la sala de los Samurai Trees el público permanecía minutos y el cometario general es que era sólo decoración, para mí son ejercicios de un principiante. Pero para sus curadores y promotores la evidencia no es suficiente. Confunden la complacencia con el rigor, el servilismo con la objetividad, si la obra no es relevante es corrupto elogiarla solo por que el Estado ha decidido encumbrarla en su obsesión por seguir la moda. Pretenden que caigamos en la misma trama de favores que hace que un artista sin valor esté ahora en ese o en cualquier museo. Con cinismo declaran que la crítica que les interesa es la “ayude a los artistas a desarrollarse” ¿Más? ¿Más de lo que está haciendo el Estado con Orozco? ¿Llamar a unas pelotas pateadas arte no es suficiente empuje? ¿Pagar boletos de avión de primera clase para que aplaudan al “artista” en Nueva York les parece poco? Además hay que decir que la masa de pizza vieja es arte. No es arte, y el cuerpo de obra es oportunista y repetitivo. Explota las mismas ideas elementales: los círculos, el ready-made, las obras de chistorete como el Citroën y los huesos intervenidos con lápiz. Con esa obra lo compraran con los muralistas. Los promotores de Orozco no pueden culpar a otros por denunciar lo que ellos hacen sin sentir vergüenza.

Publicado en Laberinto de Milenio Diario, el sábado 13 de marzo del 2010.

¿Por qué un libro de los 50 años de la fotografía artística en Costa Rica?

2010-03-15T16:10:00.000-07:00

Primero porque si no construimos memoria estamos condenados a repetir lo que ya hicimos y no se da un proceso de aprendizaje.

Segundo porque creo que vale la pena documentar el proceso evolutivo que ha tenido el lenguaje visual costarricense. Si comparamos la primeras fotos de Jenaro Mora o Adrián Valenciano con las últimas que se han hecho, podemos notar una gran diferencia. Jóvenes como Irene Peña o Jan Adamski o algunos otros que dan sus primeros pasos, nos hablan un lenguaje muy diferente. Lo digital ha abierto posibilidades enormes, sin embargo, no es solo eso. Vivimos tiempos diferentes con valores muy diferentes. La cultura urbana, la música urbana, y la forma de ver el mundo de los jóvenes es totalmente otra cosa. El calentamiento global nos da una perspectiva diferente de la naturaleza y del medio ambiente. El Internet que nos une y nos aisla al mismo tiempo, los celulares, y toda la cultura ha cambiado desde los años sesenta. Como decía Marshall McCluhan: “El medio es el masaje”. Ciertamente la fotografía digital es un avance tecnológico que por sí mismo nos cambia la manera de hacer fotografía, más rápida, más cantidad de tomas, más posibilidades de control y de manipulación. Lo que no debemos hacer, como lo dice el mismo McCluhan es “ver el futuro por el espejo retrovisor”.

Además, esta era digital nos permite hacer libros por demanda y de impresión digital con excelente calidad. Hasta hace poco hacer un libro era un proceso agotador, y caro, además de que significaba solucionar el problema de distribuir un inventario que muchas veces se quedaba en cajas, en un rincón, donde se deterioroban los libros.

El reto del libro de los 50 AÑOS DE FOTOGRAFIA ARTISTICA EN COSTA RICA es llenar el vacío de lo que ha pasado en estos 50 años. ¿Por qué hoy los nuevos artistas y los veteranos estamos haciendo la fotografía que hacemos? ¿Cómo llegamos a esto? Las respuestas a estas preguntas son las que vamos a estar buscando durante el levantamiento fotográfico del libro. Definitivamente ha habido una evolución en el lenguaje visual que manejamos desde 1960 hasta hoy. Lo que queremos es trazar la línea de esta evolución y averiguar además ¿qué ha sido lo importante para los fotógrafos ticos? Sabemos que existe una gran tendencia hacia las fotos de naturaleza, y es obvio que así sea, porque la naturaleza salta sobre nosotros como oleadas verdes, pero ¿Dónde damos el salto de lo obvio a lo profundo, a lo subyacente? También las tradiciones, y San José, y los viajes a zonas rurales son temas tratados por muchos, pero ¿Dónde está ese salto hacia la visión que entiende, que cree, que sabe?

Este libro no es un concurso fotográfico, ni un catálogo para buscar un fotógrafo para un trabajo, ni tampoco un medio publicitario, ni una protesta panfletaria. Es una oportunidad para que cada fotógrafo exprese su más sincero mensaje de lo que el o ella ven. Los poetas lo hacen, los músicos son expertos en recordarnos las cosas valiosas de la vida. John Lennon lo hizo en los años sesenta con sus canciones sobre el amor y la solidaridad, y hoy día lo hace Malpaís y Arjona. Tenemos un medio que aporta a la cultura y al conocimiento de la comunidad, y si tenemos algo que decir, esta es la oportunidad.

Creo que cuando Daguerre tuvo en sus manos el primer daguerrotipo y vio la imagen, pensó, esto es un cuadro, y lo puso en la pared. Sin embargo, se equivocó totalmente, por cuanto el daguerrotipo fue a la imagen lo que la imprenta fue al texto. Es decir, la característica de que la fotografía es reproducible es la gran ventaja y la gran diferencia de la pintura.

La fotografía no es principalmente para colgarse, sino para imprimirse. De allí la gran importancia de este libro. Cuando se cierre la exposición de esta ocasión, y se hayan llevado todas las fotos, el libro va a estar allí.

El libro de texto es para contar historias, para informar, para educar, etc., el libro fotográfico tiene también su lenguaje, su sintaxis, su alfabetidad. El libro de imágenes fotográficas nos puede llevar a mundos desconocidos, a mundos inventados, nos puede revelar verdades escondidas en la cotidianidad o nos puede tocar las fibras del alma misma.

La fotografía tiene que ser respetada, como cualquier otra disciplina, si no la misma falta de respeto hace que el artista, en este caso el vidente, se pierda, se ciegue. El fotógrafo que crea que haciendo un trabajo mediocre (o que no ame el medio) va a poder “ver” está totalmente equivocado. Como cualquier cosa que se hace en la vida la fotografía debe hacerse con pasión. El libro los 50 AÑOS DE FOTOGRAFIA ARTISTICA EN COSTA RICA es un libro de un proceso de desarrollo de la visión de los fotógrafos de Costa Rica, y es mi esperanza que ayude a orientarnos en los próximos cincuenta años hasta el 2060.

LA PARTICULARIDAD DEL SITIO

2010-02-25T16:14:00.000-08:00

LA PARTICULARIDAD DEL SITIO
De
Adrián Valenciano

Por:
Jorge Luis Ramírez

En un comentario de Juan Luis Rodriguez sobre las fotos de Adrián de La Particularidad del Sitio, dice:
“…sus fotografías trascienden la técnica fotográfica, hay un misterio en esos ambientes, que él califica sitios, llenos de poesía, a pesar de ser objetivados a través de un aparato fotográfico. En sus fotos , la lluvia y la neblina en la luz del tiempo, son verdaderas obras de arte”.

Luego de 16 años de meditar en su último cuerpo de trabajo y con una gran madurez, Adrián nos presenta esta serie de trabajos de fotos sencillas.
No intenta impresionarnos con imágenes elocuentes ni de gran formato, ni de sujetos extraños o detalles abstractos.
”Las fotos que presento las tomé a la orilla del camino, desde mi carro. Veía algo que me llamaba la atención y apuntaba la cámara. Sin medir la luz, ni ver por el viewfinder,
sé lo que la cámara ve, y me va a dar.“

Habiendo establecido una distancia en tiempo y rollos de película, y de haber experimentado con equipo fotográfico Nikon. Hoy día Adrián se dedica a fotografiar con su cámara Leica. “La cámara Leica me sacó de tener que estar al día con lo último de la tecnología y pude enfocarme en la fotografía”.
Sorprendentemente Valenciano realiza esta serie de fotografías muy parecidas en apariencia a las fotos “pictorialistas” de principios del siglo XX, con luz suave y borrosas. Pero si conocemos su trayectoria nos damos cuenta que nada tienen que ver estas fotografías con aquellas. Más bien podemos observar una profundidad y madurez en la empresa fotográfica. Con el asunto del equipo resuelto Adrián puede concentrarse en la fotografía con toda libertad. Recurre al misterio de la neblina y a su efecto de dificultar la visión, a la luz suave y textura borrosa. Atrás quedaron los ángulos rectos y el alto contraste.

El artista usa esta vez elementos naturales: árboles, caballos, gansos. Pero al igual que cuando fotografió gente, estos paisajes no le interesan por un sentimiento romántico, sino porque representan un sitio particular.
LA PARTICULARIDAD DEL SITIO más que un sitio externo, es uno interno. Descubrir las siluetas insinuadas de troncos lejanos se convierte en un viaje visual, como el de un ave a través del bosque. Una banca vacía, en medio de un bosque nublado, es una experiencia que nos obliga a ver hacia adentro.

Valenciano nos lleva a un mundo interno, a su sitio, acto raro en nuestros tiempos, (es poco entendido) ya que hoy día somos bombardeados por lo superficial y desechable.
En este trabajo Adrián nos muestra la niñez y sus temores, la visión del abuelo que se enfrenta a desaparecer, y por lo tanto, nos lleva hasta el límite de la madurez, ese es el poder de la imagen.
Adrián supera el ojo físico, por su gran respeto al medio, ve con los ojos del alma.

Este es un trabajo que nos exige detenernos y reflexionar. Esto es raro en la fotografía costarricense, ya que evoca imágenes que se han venido acumulando en nuestro inconciente durante muchos años. Por ejemplo, la casa campesina, lejos de ser idealizada con colores brillantes y una luz contrastante, es mostrada rústica, en blanco y negro.
Conocedor del significado de símbolos y de la imagen el autor maneja deliberadamente, pero manteniendo la espontaneidad instintiva, su sintaxis, más compleja y madura que en su primer ensayo. Adrián articula con gran capacidad y conocimiento los elementos gráficos para evocar estos sitios, que descubre en los lugares más comunes e inadvertidos, porque son lugares vacíos, que precisamente tenemos que llenar como espectadores.

¿ Y qué pasó con lo urbano, la ciudad?
Simplemente desaparecen del contexto fotográfico. Adrián no busca un lugar externo, ni siquiera un lugar, sino un sentimiento, una poesía aunque sea un llanto triste que justifique el sinsentido de la vida. Supera de esta manera los cánones estéticos para imponer su visión emancipada de valores banales y transitorios.

Casi no vemos la figura humana en estas fotografías excepto en el camino mientras desaparecen por la distancia y el efecto de la neblina.
Las fotos no se tratan de nadie específicamente, si no más bien de cualquiera. Por eso no podemos pensar que las fotos son de objetos o gente, sino más bien de símbolos utilizados para referirnos a sentimientos internos y profundos de la realidad humana, del pasar por el camino de la vida y del tiempo hasta la muerte.

El trabajo realizado con una técnica impecable, nos envuelve en una atmósfera de tristeza. Hay un gris que lo cubre todo, sin embargo las fotografías no son deprimentes, más bien el autor nos transmite una paz que es evidente a través de toda la muestra. Esta tristeza es el resultado de la aceptación de la vida tal cual, de haber alcanzado la paz consigo mismo y el mundo que lo rodea.

“EL ESPIRITU DEL SITIO:
La particularidad del sitio (GENIUS LOCI) es un antiguo concepto Romano que sugiere la observación de lo cotidiano de una manera especial que descubre esos rasgos curiosos de los que están revestidos algunos lugares a los que se les describe como mágicos. Que en su calidad escénica conservan detalles de un especial orden y armonía ambientales, datos para que el observador integre los elementos de la naturaleza y los producidos por el ser humano en un conjunto de sensaciones visuales que los remiten necesariamente a la nostalgia.”
Interpretación de Adrián Valenciano del libro: TOWARDS A PHENOMENOLOGY OF ARCHITECTURE de Christian Norberg. 1980. Editorial Rizzoli.

Arena cicatrizada

2010-02-25T05:38:00.000-08:00

La última vez que los ríos llenaron
la luna veía sin pena los amantes
crecer entre árboles de sueños prometidos
que nunca se cumplieron
en la arena cicatrizada
por lágrimas de soledad escogida y anhelada
más que el humo disipado
de la candela recién apagada.

Ciudad sin nombre

2010-02-25T05:34:00.000-08:00

La compañía de tu silencio
rasga la piel del abismo
que no alcanzo.
Toco desde lejos
los límites de tu mirada
perdida en la ciudad sin nombre.
Escapas los lazos
del encuentro de copas vacías
de fotos sin memoria.

En soledad camina

2010-02-22T09:00:00.000-08:00

Dejó sus huellas en el tiempo
y su olor se deslizó en el callejón nocturno
de los maullidos del celo
que agobia su alma.
La oscuridad no puede esconder secretos
en soledad camina sin ataduras
va y vuelve por el umbral sagrado
burlándose del apego.

Ombligo en el horizonte

2010-02-22T08:55:00.000-08:00

Flores rosas jardines
tus cabellos cubren montañas
por donde corren
imágenes de garañones salados
marcando tu espalda con plumas
y lágrimas de sed y ternura violeta
que rodea tu ombligo
en el horizonte infinito de tus pies.

Fotografía ¿para qué?

2010-02-03T09:44:00.000-08:00

¿ fotografía para qué ?

Quizá no hay mayor deleite que el ver las fotos del álbum de la familia y de parientes que nunca conocimos, o que olvidamos porque éramos muy pequeños para recordarlos. Y dentro de esta colección de fotos ver como fuimos es quizá lo más misterioso.

Recordar paseos, fiestas de cumpleaños, graduaciones, y tantas ocasiones especiales que habíamos olvidado, o visualizar alguna que todavía recordamos vívidamente, mientras pasamos las páginas es un experiencia íntima y significativa.

Sostenemos en nuestro regazo la memoria visual que solo las fotografías casuales, y en algunos casos mal tomadas, nos pueden dar de nuestro pasado y nos revelan de dónde venimos, y quiénes fueron nuestros antepasados. Esto en sí es una experiencia poderosa.

Si extrapolamos esta experiencia a una sociedad, nos empezamos a dar cuenta de la gran importancia del documento fotográfico. Quizá el más evidente es el registro de los periodistas que fotografían eventos sociales, las elecciones, los desastres naturales, y los grandes eventos deportivos y culturales. Pero también están aquellos que fotografían en un estudio de retratos gente común y corriente que quieren una foto más elaborada de ellos mismos o de sus parientes. También están aquellos que fotografían la naturaleza y registran los cambios en el paisaje que nos rodea e investigan nuevas fronteras científicas y además, elaboran una especie de inventario de lo que nos rodea. No podemos omitir los fotógrafos publicitarios quienes registran las modas y los productos que fabricamos y consumimos. Finalmente es importante considerar al fotógrafo amateur, quien hace fotografía por pasión y por gusto, o por necesidad expresiva, que resume en su trabajo la forma de pensar y de sentir de una sociedad.

Todo esto para que un día podamos ver estos documentos y recordemos cómo fuimos, qué sentimos, y qué era importante, lo mucho que nos faltaba por descubrir. Y que podamos ver como era la vida de nuestros antepasados, cómo se vestían, cómo eran los carros, lo que se consideraba valioso.

Esto es lo que fabrica el entretejido social de la identidad y de la construcción de comunidad. La imagen fotográfica juega un papel de suma importancia, ya que ni la música, ni la literatura , ni el teatro, ni ninguna otra forma de arte puede guardar ese registro con características de testigo ocular. El cine y el video son colecciones de imágenes en secuencia y que dan la ilusión de movimiento que se suman a esta característica de la fotografía de captar lo que sucede frente al lente.

Hay tantos puntos de vista y percepciones de la realidad como individuos y es por eso que hay que tomar en cuenta a todos los que se pueda ya que la suma de todas estas visones de fotógrafos nos puede dar una mejor idea de lo que la realidad puede ser. Con esta información podemos, como sociedad, tomar decisiones, ubicarnos mejor, y crecer y madurar como comunidad.

En esta ocasión celebramos 50 años de fotografía artística, indicando el cambio hacia una aproximación a la fotografía con una intención diferente a como se había trabajado anterior a los años sesenta. Empezamos a ver imágenes diferentes, hijas de una visión interpretadora de la realidad. Ya no era el mero registro de edificios o estampas descriptivas. Había ahora un interés por ir un poco más allá, de expresar una visión, una forma de ver, de entender el mundo. Una forma de sentir a lo tico.

Hoy vemos atrás, como abriendo las páginas de ese álbum, y recordamos la visión que tuvieron los valientes pioneros que se atrevieron a exponerse y proponer nuevas maneras de ver, que al principio no fueron entendidas, ni apreciadas porque nadie sabía ver. Y hoy también seguimos construyendo y evolucionando. Alguien dijo: “La realidad es la construcción de nuestras mentes”.

5O AÑOS DE FOTOGRAFIA ARTISTICA EN COSTA RICA

2010-01-19T07:02:00.000-08:00

Hay varias preguntas que me asaltan con respecto a este título. La primera ¿Qué es eso de arte, de fotografía artística, existe la fotografía artística?

Hablando con una amiga, ella me decía que era una forma de distinguirla de los otros tipos de fotografía: Deportiva, médica, forense, periodística, de moda, etc.

Pero me surge la duda. Si la cualidad más sobresaliente de la fotografía es captar con todo detalle lo que tiene frente al lente; ¿No será todo la misma fotografía? Porque en todos los casos se trata de preservar un sujeto en un momento determinado. Lo que cambia es el uso que le damos al resultado de disparar una cámara.

La fotografía artística o de autor, como le llaman algunos, no es diferente en que generalmente es el resultado de una “toma” de la realidad que nos resulta placentera de ver. Según la definición de arte en Wikipidea el arte es cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con finalidad estética o comunicativa, a través del que expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa, pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.

Esta definición no riñe en ningún sentido con las cualidades de la fotografía y si citamos la definición de bellas artes nos damos cuenta que más bien es muy afin a la fotografía, ya que esta tiene la cualidad inherente de embellecerlo todo: “A pesar de que la palabra arte se haya cuestionado debido a los planteamientos de artistas vanguardistas, hoy en día "Bellas Artes" sigue siendo una expresión asociada a la belleza. Es el nombre que se le suele dar en muchos países a los estudios superiores en artes plásticas. En Costa Rica esta licenciatura comprende disciplinas como la conservación y restauración de obras de arte, diseño, fotografía, y pintura, dibujo o grabado.”

Entendiendo que las definiciones de arte y bellas artes en ninguna manera excluyen las cualidades fotográficas podemos decir que la fotografía es un arte, aunque no necesariamente todas las fotografías estén colgando en la pared de algún museo.

A Costa Rica llegó al fotografía de Europa y Estados Unidos en el siglo XIX cuando fotógrafos extranjeros visitaban el país y fotografiaban los paisajes lejanos y exóticos y sus gentes. Había en aquellos años un deseo de ver y captar a través de la Cámara Obscura el mundo alrededor.

Algunos lugareños aprendieron el oficio y empezaron a retratar a los personajes económica y políticamente poderosos en sus estudios y en las haciendas u oficinas de sus patrones.

La tecnología y la manera de pensar de la gente causó un rompimiento cualitativo a mediados de la década de los cincuenta. Es cuando dos jóvenes costarricenses inician separadamente una búsqueda que los convertirá en referencia y separará la fotografía tradicionalmente pictorialista practicada hasta entonces por una más moderna y acorde a los nuevos tiempos.

El primero es Adrián Valenciano quien inicia su labor fotográfica en 1954 y que nos presenta su primer trabajo en 1973 con la publicación del primer libro de fotografía ENSAYO FOTOGRAFICO.

La nueva manera de ver el mundo que nos presentó Valenciano inició el proceso de disolver las perspectivas tradicionales y empezamos a descubrir nuevos significados que a su vez desarrollaron nuevos hábitos de ver.

Usando el alto contraste, deshumaniza los sujetos y los convierte en elementos fríos de un mundo de imágenes nuevas en el medio. Nos enfrenta a la muerte sin sentimentalismos ni adornos. En eso consiste la revolución de Valenciano en la fotografía costarricense. En Valenciano encontramos además un formato que aisla los sujetos del entorno. Es decir, no hay entorno, desaparece el horizonte; no hay caminos, ni cielo, ni montañas. Los sujetos de Valenciano flotan sobre el negro o el blanco. Caminan por un espacio indefinido o artificial. Sus retratos aislan a los indigentes, y otras personas retratadas, ya que no existe contacto visual, los convierte en no personas en objetos gráficos sin relación al entorno, ni a una historia. En este libro de Adrián podemos ver las cuatro características que caracterizan la fotografía: Primero, son fotografías donde el autor está ausente, son documentos anónimos con una gran carga de estética que el ojo de Adrián reconoce en el momento preciso.

Segundo, no nos dicen nada de los sujetos excepto lo obvio, es decir, no son fotos adornadas ni cargadas de ruido biográfico. Tercero, son nostálgicas, nos recuerdan un época pasada. Por eso la cuarta característica, evocan la muerte, muestran la muerte al confrontarnos con el pasado, con gente que no existe.

El segundo es Jenaro Mora quien también se inicia trabajando para fotógrafos nacionales por allá de 1957, pero que no llenan sus expectativas por lo que viaja a Estados Unidos en 1960 donde llega a ser técnico de cuarto oscuro en el Curtis Studio en Los Angeles, California.

Jenaro a diferencia de Adrián toma la fotografía como profesión y se gradúa del New York Institute of Photography a finales de los años sesenta y finalmente se instala en San José en la Galería M donde literalmente cambia la forma de retratar gente con capacidad económica y política que le compra su sensibilidad. Este es el cambio que abrirá a muchos fotógrafos después de él la posibilidad de instalarse y tener éxito haciendo fotografía con una apariencia norteamericana que se impone en un medio que busca snobismo y destacarse viéndose diferente. Pero esta nueva manera de verse no es la única área donde Jenaro descolla. También en el área de fotografía de autor vemos en Jenaro fotografías, en algunos casos, construidas antes de la toma y luego manipuladas en el cuarto oscuro, que nos presentan propuestas visuales de un mundo interno, escondido y profundo nunca antes explorado.

Mora es conocido por sus fotos de los HUEVOS, de los FRIJOLES y del RETRATO (está en el Museo de Arte Costarricense) donde aparece una mujer negra vestida de blanco que se asoma por una ventana.

Jenaro es más rígido en cuanto a la forma en que una fotografía debe ser hecha, quizá por su preparación académica, y por lo tanto su trabajo siempre ha mostrado una excelencia técnica. Las fotografías tiene que tener una gama de grises que den apariencia de ventana, es decir, que la cosa casi se pueda tocar. Bien enfocadas y con el detalle y precisión características de la fotografía.

Se puede decir que Jenaro adopta la calidad “purista” como resultado de una sensibilidad de un hombre que doma un mundo hostil y contrario a partir de recursos técnicos hasta moldearlo a su gusto. En esto se parece a la forma de pensar de Lazslo Moholy-Nagy, quien dice: ”el fotógrafo experimental no va a seleccionar solamente lo que encuentra sino que… produce situaciones, introduce cosas hasta entonces no usadas y despreciadas, que para él contienen las cualidades necesarias para la expresión fotográfica.”

A partir de estos dos fotógrafos que se encuentran a mediados de los años setenta y que forman parte del Grupo F6 se produce una revolución visual en Costa Rica que arrastra una nueva generación de fotógrafos y que todavía no ha parado sino que más bien toma más fuerza con las nuevas tecnologías.

Hay algo en común en estos dos artistas que hacen un trabajo honesto, es decir, trabajan desde sus mundos internos, desde sus preocupaciones, desde sus sensibilidades. No buscan que sus trabajos se parezcan al de otros fotógrafos, aunque ambos conocían las obras de fotógrafos americanos y europeos a quienes admiraban. Tampoco buscan impresionar o deslumbrar con efectos superficiales a un público joven y sin experiencia en ver fotografía. El valor de su trabajo es que surge de cuestionamientos reales de los tiempos que se vivían, y que presentan propuestas válidas y contemporáneas.

Finalmente, desde ese punto de vista creo que se puede hablar de fotografía costarricense. Tanto Adrián como Jenaro vuelven sus lentes hacia Costa Rica y su gente, sus lugares y sus cosas: El teatro, indigentes de San José, y objetos cotidianos como frijoles y huevos y nos los presentan de una manera que nunca antes habíamos visto.

Jorge Luis Ramírez

San José, 19-1-2010

El ERROR EN EL ARTE por: Avelina Lesper

2009-12-09T04:35:00.000-08:00

http://avelinalesper.blogspot.com/2009/12/el-error-en-el-arte.html

El siglo XX es el siglo del gran error del arte, de la gran equivocación, el mal entendido de convertir lo banal e intrascendental en perpetuo, de confundir el ingenio rápido y fácil en reflexión profunda. Con el inicio del siglo XX comenzó la etapa más torpe y mediocre de la creación y la visión artística. En 1917 Marcel Duchamp hizo del sentido del humor la nueva filosofía, de la ocurrencia un aforismo y de la supuesta falta de la comprensión del público su máxima. Al llamar a un urinario Fuente, Duchamp inventaba el anti-arte, una pieza destinada a destruir al arte. Esta invención fue mal interpretada como una osadía estética y los teóricos y curadores, la instauraron como canon del arte. Este fue el primer error, afirmar que una obra anti artística, era arte y situarla en el contexto impropio, el museo...

SOBRE MEGAFOTOGRAFIA

2009-11-13T11:46:00.001-08:00

MEGAFOTOGRAFIA

EXPOSICION DE FOTOGRAFIA EN LA GALERIA NACIONAL

NOVIEMBRE 2009

CURADOR: LUIS CHACON

“La cámara es un instrumento que le enseña

a la gente cómo ver sin cámara.”

Dorothea Lange

Como su nombre lo indica es una exposición grande, no solo por la cantidad de fotógrafos que participan de la muestra si no, por el tamaño de muchas de las fotografías y otros trabajos. Representa un sector importante del movimiento artístico emergente del país.

El curador Luis Chacón, un pintor con un largo y distinguido recorrido se embarca en esta empresa donde se ve su trasfondo de pintor en los trabajos escogidos, y que ahora incursiona en la fotografía.

Uso la palabra fotografía para indicar los trabajos tradicionalmente considerados como fotografía (digital incluida) y técnica mixta para referirme a los trabajos que de alguna manera usan fotografías aunque no es éste propiamente el carácter principal de la obra.

Como nota interesante recuerdo que a Edward Weston no le gustaba que lo llamaran artista, decía que él era fotógrafo en tiempos cuando la fotografía no era considerada arte, ¡Cómo hemos cambiado!

Ciertamente en esta exposición no se ve nada nuevo desde el punto de vista técnico. Ya en los años cincuenta se hacían collages, dobles exposiciones, impresiones sobre materiales transparentes, fotografía en tela, solarizaciones, y virajes de color entre algunas técnicas que recuerdo. Man Ray, Jerry Uelsman, y Betty Hahn son algunos de los fotógrafos que vienen a la mente. Quizá para ellos fue un proceso más lento y complicado ya que no contaban con las computadoras ni el Photoshop.

Este comentario no es para decir cuál fotógrafo es mejor o peor, ni tampoco cuál trabajo es válido o no. Eso sería un argumento vacío y estéril. Más bien aprovecho esta oportunidad de compañeros fotógrafos que luchan con conflictos, y con la ansiedad de estar vivos, para exteriorizar algunos pensamientos sobre el quehacer fotográfico y provocar una discusión o reflexión sobre el tema.

Lo primero que pude sentir al iniciar mi recorrido por los salones de la galería es que la fotografía digital está de moda. Y no solo de moda, si no que llegó para quedarse. Y como nueva tecnología está cambiando nuestra manera de hacer fotografía. Dice Marshall McLuhan en su libro “The Medium is the Massage: Estos son tiempos difíciles porque somos testigos de un choque de proporciones cataclísmicas entre dos grandes tecnologías. Tomamos la nueva con el condicionamiento tecnológico y las respuestas sensoriales de la vieja”.

También advertí la presencia en la muestra de trabajos que se desbordan de lo que conocemos como fotografía en el sentido estricto. Instalaciones, obras de técnicas mixtas y una proyección que incluye dibujos y otros efectos. Sobre estos trabajos no aplican las observaciones que competen a la fotografía, ni a la fotografía digital.

Ahora bien, lejos de facilitar las cosas, la fotografía digital que se trabaja en un ordenador, complica el proceso creativo ya que requiere un conocimiento más profundo de la imagen y del manejo de su sintaxis, así como de la creación de respuestas nuevas o encuentros nuevos en el sentido que indica Rollo May en su libro “The Courage to Create”. Parafraseando: La naturaleza de los símbolos y mitos nacen en el acto creativo, del lado progresivo de esta ecuación traen nuevos significados, nuevas formas y nos abren una realidad que no existía antes y que no es meramente subjetiva si no que tiene un segundo polo que está fuera de nosotros.

“Empecemos por decir lo que la fotografía no es. Una foto no es una pintura, ni un poema, ni una sinfonía, ni una danza. No es sólo una imagen linda, tampoco un ejercicio de técnicas de contorsionista y una calidad inmaculada de impresión. Es, o debería ser, un documento significativo, una declaración punzante que puede ser descrita con una sencilla palabra: selectividad. Para definir la selección uno puede decir que debería estar enfocada en la clase de tema que golpea fuerte con su impacto y emociona la imaginación al grado de que uno está forzado a tomarla. Las imágenes se desperdician a menos que el poder motivador que lo obligó a uno a actuar sea fuerte e incitante. Los motivos o los puntos de vista sin duda alguna cambian en cada fotógrafo y es aquí donde yace la importante diferencia que distingue un planteamiento de otro. La selección de un contenido fotográfico apropiado viene de la fina unión de un ojo entrenado y una mente con imaginación.”

Del comentario de Hans Durrer de “The Education of a Photographer.”

Como fotógrafos no podemos darnos el lujo de ser ignorantes del mundo que nos rodea, ni de la historia que nos precede, ni podemos ser insensibles a las situaciones de la vida. Y aunque suene obvio, muchas veces lo obvio no lo tomamos en cuenta.

Desde los años setenta con la desaparición del Grupo F6, y habría que investigar el por qué, la fotografía costarricense ha venido abandonando el enfrentarse con los problemas del manejo de la luz y de los sujetos que encontramos en nuestro medio en la fotografía en blanco y negro o color, quedando mucho material virgen y que le resta a nuestra cultura e imaginario colectivos, para dedicarse a trabajos conceptuales donde priva el individualismo y donde más bien parecen surgir obras sin sustento histórico. Algo así como improvisaciones efectistas que deslumbran para ocultar sus debilidades. En su mayoría loos fotógrafos de hoy día no saben de Jenaro Mora, Adrián Valenciano, Mario Fernández Silva, Mayra Bonilla o Carlos Jinesta. Quizá sea la influencia de la fotografía publicitaria, o quizá la falta de historia o la corta memoria o la mala formación dada en las escuelas de fotografía en las universidades. El fotoreportaje está viendo un impulso con grupos como Colectivo Nómada, aunque está en una fase insipiente. Eso será motivo de otra discusion. Sin embago dejo la inquietud ya que vale la pena preguntarse ¿De dónde venimos y hacia donde vamos como fotógrafos costarricenses? ¿Hay algo que se puede llamar la fotografía costarrricense? En esta exposición se hace referenica a fotograías de Fausto Pacheco, como un leve recuerdo o insinuación de esta historia.

Decía Robert Pledge presidente y co-fundador de Contact Press Images (“Cuando conocí a Salgado, en 1974, él tenía 29 años y apenas comenzaba en la fotografía. Él tenía una idea de cómo era el negocio. Recibió algunos golpes tempranos, pero en verdad sabía hacia donde quería ir. Cuando nos conocimos fuimos a un café y me platicó qué era lo que deseaba hacer, y salí de ahí con la impresión de que ese hombre se convertiría en un gigante. Pero además tenía mucha preparación, lo cual es esencial en su obra. Estudió economía y geografía, así que estaba consciente de muchas cosas. Cuando uno echa un vistazo a lo que ha hecho, se da cuenta de que él sabía hacia dónde se dirigía.”).

Cada expositor está en un proceso, en un viaje, en búsqueda de un mundo que tenga sentido. De maneras nuevas y más efectivas para transmitirnos su sentir, su pensamiento, su lenguaje. La fotografía como medio bidimensional y que se vale de los contrastes entre el blanco y negro y una escala de grises, o en su defecto del uso del color, de la línea, y los planos demanda un conocimiento y manejo total de estos elementos sin olvidar un elemento muy importante.

En el ensayo “Sin título” de Cartier-Bresson, me encontré con lo siguiente: “Fotografiar implica el reconocimiento de un ritmo en el mundo de las cosas reales.” Entiendo que esto significa que para ser un buen fotógrafo uno debe de entender que el mundo real está en constante flujo. Y también debe descubrir los movimientos (el ritmo — ¡muy bien dicho!) de este flujo.

Del comentario de Hans Durrer de “The Education of a Photographer.”

Así que el grado de dominio que tengamos de estos elementos básicos en hacer fotografías y fotografías digitales siguen válidos, sin mencionar: diseño, composición, investigación gráfica, iluminación, computación y manejo de programas de manipulación, que van a determinar la efectividad que alcancemos en la transmición de nuestra visión. Aún en la fotografía analógica se da un cierto grado de manipulación: técnicas de revelado, uso de papeles multicontraste, quemado y sombreado de áreas de la impresión, y doble exposiciones.

Es entonces este dominio de la técnica y de la temática lo que se convertirá en el éxito de la creación de nuestro propio lenguaje, sin tener que pedirle al observador una excusa.

Es una exposición de contrastes entre las fotos subjetivas y sensuales de mujeres difusas y fotografías de un hombre que besa un consolador negro en un tríptico que presenta la crudeza del homosexualismo.

La fotografía es inclasificable dice Roland Barthes en su Libro “The Camera Lucida”. ‘Y lo es porque no existe razón para marcar esto o aquello de su ocurrir, aspira quizá, a ser tan cruda, tan segura, tan noble como un signo que puede pagar su acceso a la dignidad de un lenguaje: pero que para ser un lenguaje tiene que haber una marca; privada del principio de la marca, las fotografías son signos que no toman, aquello que regresa, Cualquier cosa que le da a la visión y cualquiera que sea su forma, una fotografía es siempre invisible: no es lo que vemos.”

En otras palabras una foto siempre es tomada de algo en el mundo real que nunca se puede separar de su referente.

Esta exposición es una buena razón para reflexionar e interrogarnos sobre muchas cosas, las propuestas presentadas de personas serias y dedicadas nos exigen eso.

En un mundo consumidor de imágenes, globalizado y donde se producen millones de imágenes diariamente algunas preguntas que saltan a la mente son: ¿Por qué hacemos fotografías? ¿Qué nos mueve a fotografiar? ¿Para qué hacemos fotos? quisiera pensar lo siguiente:

“La fotografía es nada — lo que me interesa es la vida”, dijo Cartier-Bresson alguna vez.

Comentario por:

Jorge Luis Ramírez

Fotógrafo

La educación de un fotógrafo Editado por Charles H. Traub, Steven Heller, y Adam B. Bel Publicado por Allworth Press, New York

2009-11-12T17:34:00.001-08:00

"Esta animada e idiosincrásica colección de escritos de los diversos pensamientos sobre la fotografía, darán aliento y comprensión a todos aquellos que se ocupan en los medios basados en la lente en el siglo 21. Desde los maestros de principios del siglo 20 hasta los post modernos y después a los incisivos visionarios de hoy en día, este estimulante libro transportará al lector a través del variado paisaje de la fotografía, expresando con elocuencia lo que significa ser un fotógrafo” se lee en la cotraportada, y es verdad —en esencia—, salvo el hecho de que no todos los autores se expresan con tanta claridad y elocuencia como, digamos, John Szarkovsky o Berenice Abbott. Es más, me pregunto ¿qué es lo que hace que alguien se convierta en un “incisivo visionario”? En fin, son detalles que podemos pasar por alto, pues definitivamente vale la pena invertir tiempo en este tomo en el que el lector encontrará muchos estimulantes pensamientos:

Por ejemplo:
En una carta abierta, fechada en 1928, Alexander Rodchenko responde al escepticismo del crítico y teórico Boris Kushner al respecto del valor de la fotografía experimental, declarando que “para acostumbrar a la gente a ver desde nuevos puntos de vista, es esencial tomar fotografías de sujetos cotidianos y familiares desde puntos estratégicos completamente inesperados y en posiciones igualmente inesperadas. Los nuevos sujetos también deben ser fotografiados desde varios ángulos como para presentar una impresión completa de ellos.” Uno se ve tentado a preguntar ¿acaso no resulta obvio?, sin embargo, ciertamente no lo era en el tiempo en el que Rodchenko escribió esta carta y con demasiada frecuencia, tampoco resulta obvio en la actualidad. Rodchenko entra en detalles: “si uno se fija en la historia del arte o la historia de la pintura de todos los países, notará que todas las pinturas, con muy pocas excepciones, han sido elaboradas ya sea a nivel del ombligo o a nivel del ojo.”

También encontramos “Fotografía en las encrucijadas”, un artículo de revista de 1951, escrito por Berenice Abbott, en el que argumenta que la fotografía está ocupada, entre otras cosas, “del realismo —de la vida real—, del ahora.” Muy bien, completamente de acuerdo: la esencia de la fotografía es el estar presente. Permítanme ofrecerles dos citas de este artículo que he encontrado particularmente inspiradoras:

“Muchos fotógrafos pasan demasiado tiempo en el cuarto oscuro y esto trae como consecuencia que el trabajo creativo con la cámara resulta seriamente afectado”.

“Empecemos por decir lo que la fotografía no es. Una foto no es una pintura, ni un poema, ni una sinfonía, ni una danza. No es sólo una imagen linda, tampoco un ejercicio de técnicas de contorsionista y una calidad inmaculada de impresión. Es o debería ser un documento significativo, una declaración punzante que puede ser descrita con una sencilla palabra: selectividad.

Para definir la selección uno puede decir que debería estar enfocada en la clase de tema que golpea fuerte con su impacto y emociona la imaginación al grado de que uno está forzado a tomarla. Las imágenes se desperdician a menos que el poder motivador que lo obligó a uno a actuar sea fuerte e incitante. Los motivos o los puntos de vista sin duda alguna cambian en cada fotógrafo y he aquí donde yace la importante diferencia que distingue un planteamiento de otro. La selección de un contenido fotográfico apropiado viene de la fina unión de un ojo entrenado y una mente con imaginación.”

En el ensayo “Sin título” de Cartier-Bresson, me encontré con lo siguiente: “Fotografiar implica el reconocimiento de un ritmo en el mundo de las cosas reales.” Entiendo que esto significa que para ser un buen fotógrafo uno debe de entender que el mundo real está en constante flujo. Y también debe descubrir los movimientos (el ritmo — ¡muy bien dicho!) de este flujo. ¡Muy cierto!

También tenemos esta brillante declaración de Susan Meiselas: “Mucha gente compra cámaras y película, y mucha gente compra libros de foto de cierto tipo. El ejemplo obvio es la serie de libros “Un día en la vida de”. Ahora bien, ¿cuál es el problema? ¿Por qué la gente no se interesa en lo que los documentalistas encontramos apasionante? ¿Por qué estamos en un ghetto tan pequeño?” Buena pregunta, ¿no es cierto? En realidad, me gusta su respuesta aun más: “Debemos encontrar maneras de llevar a la gente a un lugar a donde no espera ir.”

Lo que hace a este libro especial y recomendable es que mira a la fotografía desde una variedad de perspectivas — desde las reflexiones de los fotógrafos hasta cómo éstos son vistos por los críticos y los profesores; desde pensamientos de algunos escritores acerca de la captura de fotografías (aunque esta sección es un poco pobre, con un largo texto de Wendell Berry y dos más cortos de Cynthia Ozick y Dave Eggers), hasta entrevistas con aquellos que hacen posible que las fotografías encuentren un público (directores de arte, curadores, galeristas, editores visuales, etc).

Disfruté especialmente la entrevista con Robert Pledge, presidente y co-fundador de Contact Press Images (“Cuando conocí a Salgado, en 1974, él tenía 29 años y apenas comenzaba en la fotografía. Él tenía una idea de cómo era el negocio. Recibió algunos golpes tempranos, pero en verdad sabía hacia donde quería ir. Cuando nos conocimos fuimos a un café y me platicó qué era lo que deseaba hacer, y salí de ahí con la impresión de que ese hombre se convertiría en un gigante. Pero además tenía mucha preparación, lo cual es esencial en su obra. Estudió economía y geografía, así que estaba consciente de muchas cosas. Cuando uno echa un vistazo a lo que ha hecho, se da cuenta de que él sabía hacia dónde se dirigía.”). También me impresionó la forma en que Elisabeth Biondi, editora visual de The New Yorker, resumió lo que yo llamaría una ‘atenta aproximación a la toma de fotografías’ (que no es exactamente la regla, debo decir): “Pienso en nuestras fotos como fotografías ‘inteligentes’, esto es, comienzan con un fotógrafo inteligente que piensa qué información, tanto concreta como implícita, debe de ser incorporada a la imagen. Una vez que esto es establecido, es el talento y la estética del fotógrafo lo que determina la calidad de la imagen resultante. En este proceso, por supuesto, necesitamos la cooperación y buena voluntad de los sujetos, ya que el plan mejor pensado puede fracasar si no contamos con ellas.”) También tenemos a Charlotte Cotton, directora de programación cultural en Art + Commerce, quien subraya la importancia de mirar: “Fue un momento fundamental para mi — cambié de ser alguien que venía a la fotografía desde un punto de vista académico, donde a menudo las fotografías sirven para ilustrar argumentos, en lugar de ser objetos en el centro del pensamiento. Aprendí a mirar. No tomo fotografías. No compro fotografías. No acepto fotografías como regalo.”

“La fotografía es nada — lo que me interesa es la vida”, dijo Cartier-Bresson alguna vez. Y aunque comparto esta visión, me gustaría complementarla con esta otra de Dorothea Lange: “La cámara es un instrumento que le enseña a la gente cómo ver sin cámara.”

Poemas de octubre

2009-10-25T13:58:00.000-07:00

El aguacero repentino anunciado por vientos fríos y truenos graves causa la irritación de la nariz y del vino del almuerzo.

La tarde se sienta en mi sala con aliento de alcohólica y susurra al oído que el pelo de gato caerá hasta la noche.

Luz gris desde la ventana que mira al norte y enfría mis huesos al canto de un yigüirro distante que se ahoga por el humo de un bus.

Otro día y la historia es la misma sol por la mañana y lluvia por la tarde que si no cae me siento estafado y decepcionado.

Me abandonó el sol y la música,

se los tragó la nube gris de mi queja por la sequía que llevaba ya mucho tiempo de vivir en mi casa.

En tiempos de color y de risa el llanto era mi vecino ignorado que envidiaba la fiesta y la música que no lo dejaba dormir por la noche.

Hoy en el día de los implantes y de los hijos artificiales no recuerdo los sueños que tuve anoche, hace apenas unas horas que desperté.

El mundo es solo una ilusión mágica y el mago maneja mi vida como el titiritero a la marioneta.

El control es solo ilusión y el azar de que mi cono sea del sabor que me gusta es suerte.

Pero hacer que me guste el sabor que me toque es coincidencia.

De pequeño no me gustaban las aceitunas y ahora debo dejar los dulces por salud, como si no tuviera fecha de vencimiento.

Gente del Cosmos en el Festival de Yoga

2009-10-19T08:49:00.000-07:00

Conozca un poco más de RALPH GIBSON

2009-10-11T13:32:00.000-07:00

Ralph Gibson:

"Continuo Courant" / " Trilogía Negro”

El trabajo de Ralph Gibson contiene una paradoja: aunque diseñado para expresar la ausencia del fotógrafo en la imagen (el fotógrafo desaparece, dejando sólo el objeto fotográfico que constituye el objetivo final de la obra) , constantemente hace hincapié en la firma de su creador, la afirmación de un estilo individual.

Aunque las imágenes de Ralph Gibson son inmediatamente reconocibles, harán que el fotógrafo, con su visión del mundo, se mantenga en el anonimato.
Gibson ha entendido que este auto-eclipse puede confundir tanto el acto de la fotografía y al mismo tiempo representar una amenaza para el fotógrafo.
Su admiración por Dorothea Lange, y especialmente por Robert Frank (fue ayudante de ambos en momentos diferentes), lo llevó a deducir un conjunto de reglas para lo que él llama "percepción". Estas normas fueron para proporcionar la base de su enfoque de todo el documento fotográfico.
Gibson prefiere la palabra, percepción, con sus connotaciones de óptica, por el más ambiguo (o incluso ideológico) la palabra, visión. El se dirige a problemas puramente fotográficos con la que otros de su generación, la de los años sesenta, sólo estaban lejanamente implicados, al ser atrapados en el expresionismo abstracto (que Gibson encuentra un poco monótono) y el tipo de fotoperiodismo humanista del que W. Eugene Smith era el principal exponente.
En el mismo periodo, sin duda fue el deseo de alejarse de estos mismos temas que los artistas como Les Krims, Arthur Tress, Duane Michals, Ralph Eugene Meatyard y Ralph Gibson rompieron completamente con la tradición americana de la fotografía documental, avanzando hacia un tratamiento más ambiguo de las relaciones que existen entre los sueños y la psique, y la construcción de vagas, e inciertas realidades de ellos mismos. Algunos hablaron de un retorno al surrealismo, al referirse a estos artistas, y el trabajo de Gibson (sobre todo en su famosa trilogía) estaba vinculada por algunos al surrealismo Europeo debido a su relación visual con lo extraño y lo inesperado. De hecho, estaba más estrechamente vinculada a una tradición de lo precioso, un poco edulcorada, y el surrealismo formalmente elegante que encontramos en imágenes de André Kertész o Paul Outerbridge.
Consciente de que la cámara registra en forma indiscriminada un gran número de detalles que pueden ser perjudiciales para la imagen, Gibson trata la información que ve únicamente en términos de composición. En esto abraza lo que el avant-garde alemán describió al referirse a la realidad percibida por la cámara: simplificada hasta el punto de convertirse en ornamento, la [realidad] se disuelve en un sustrato óptico del sí mismo ... Estas condiciones conducen a la abstracción.
El mundo fotográfico de Gibson puede ser visto como un repertorio de signos, aunque él prefiere el término auto-eclipses, una expresión que no se refiere a la ruptura de la relación entre el fotógrafo y el sujeto, sino a la distancia entre la imagen fotográfica y su creador. Si el tema es lo que cuenta en la fotografía, el propio fotógrafo pesará menos y menos mientras su trabajo aumenta, a medida que él explora la relación de la fotografía con otros objetos en lugar de la forma en que él mismo se relaciona con el mundo.
Esto no denota falta de interés en los seres humanos por parte de Gibson, incluso si el mundo de sus fotografías implica patrones más que cosas y más cosas que personas. Esto refleja un desplazamiento del interés hacia lo que él denomina 'la Mouvance des ombres' y un alejamiento de su propia relación con las mismas sombras, aunque los dos son de hecho indisociables.
El interés de Gibson en los libros como una manera de presentar las fotografías se puede explicar por el hecho de que las imágenes en secuencia de páginas da mayores significados al anonimato de cada foto y que individualmente es difícil que pueda lograr. Nadie puede negar la originalidad de los tres libros, tradicionalmente conocida como la trilogía, que apareció entre 1970 y 1975: El Sonámbulo, DéjàVu y Días En El Mar. Sin embargo, sería difícil reducir estos libros al nivel de significado, porque su significado es borroso por su tono surrealista. La impresión que dan es paradójica en tanto el silencio y la estridencia visual; gracias a las páginas cuidadosamente diseñados, estas dos cualidades, en lugar de cancelarse una a otra, se combinan para producir un efecto nuevo, silenciando las interpretaciones particulares ya que lo sobrepasan todo.
A algunos les sorprende que el trabajo de Ralph Gibson sigue siendo tan estilísticamente estable después de 40 años de fotografía. De hecho, ningún cálculo comercial le ha tentado a explorar otras formas, y él no ve ninguna razón para abandonar la fotografía pura. Por la misma razón, si su familiaridad con la tecnología de la información le ha permitido alcanzar niveles más emocionantes de la resolución para sus diseños de página, el hecho de que él ha creado volúmenes tan magníficos significa que aún cree profundamente en el valor del libro como vehículo para presentar su arte. Su obra es prueba de que el verdadero creador afirma su superioridad con mucha más eficacia, dejando su huella perdurable en el mundo que rendir homenaje a modas pasajeras.
Gilles Mora
Del prefacio del libro publicado por Ediciones Marval

FOTOS RECIENTES

2009-10-04T06:58:00.000-07:00

Para ver el abum completo haga click en PORTAFOLIOS
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Re encuentro con Ralph Gibson y Taller en Costa Rica

2009-09-30T06:43:00.000-07:00

fotografía de Ralph Gibson

Hace 35 años en un taller de fotografía en Asilomar, en las cercanías de Carmel en California conocí a Ralph Gibson. Siempre recuerdo los consejos que nos dio. 1- Nunca ponerle estuche a la cámara, 2- Usar solamente una cámara y 3- usar un mismo lente.
En mi reciente viaje a Nueva York me reuní de nuevo con él, hoy día un fotógrafo consagrado con un reconocimiento en Estados Unidos y Europa que lo situa entre los fotógrafos más importantes del siglo XX y XXI.
Pasé la mañana con él conversando un poco de fotografía y otro de música. Hoy día Ralph toca guitarra y hace presentaciones y recitales en diferentes partes del mundo combinándolo con una proyección retrospectiva de su trayectoria fotográfica.
Al calor de la conversación surgió la idea de venir a Costa Rica en febrero de 2010 e impartir un Taller, hacer un recital y tener una exposición de 50 de sus fotografías más importantes. E inclusive ponerlas a la venta. De tal manera que estamos trabajando en este proyecto.
Para el taller se estará cobrando $400.00 por estudiante. El taller será de 3 días, con un foro con Adrián Valenciano y este servidor. Se estará entregando un certificado de asistencia. Para las personas de otros países que estén interesada en asistir, estamos consiguiendo alojamiento con descuento y transporte para su comodidad.
Todavía estamos trabajando en conseguir los locales y determinando fechas exactas, pero el cupo es limitado a 25 personas, así es que me puede escribir para reservar su espacio.
Estaremos informando en este espacio y en facebook tan pronto sepamos más detalles.

Te esperamos.

Regalos de Navidad

2009-08-11T17:23:00.000-07:00

El fotógrafo costarricense Jorge Luis Ramírez presenta este mágico libro de 72 páginas (33x28cm) de bellísimas fotografías en B&N de las montañas de Puriscal y El Cerro de la Muerte.

Con un costo de $110.00 por unidad puede adquirirlo aquí o escribiendo a:
Geor1756@gmail.com o haga su pedido en http://www.blurb.com/bookstore/detail/801776

We are Nature de 66 páginas (25x20cm) es el primer libro de este fotógrafo, donde nos presenta una serie de desnudos bellísimos.
Carlos Francisco Echeverría lo resume así:
“Estas fotos son una reivindicación del cuerpo real, en toda su maravillosa imperfección.
Y ay del que pasa por la vida sin haber aprendido a amar un cuerpo imperfecto,
propio o ajeno”.

Con un costo de $66.00 por unidad puede adquirirlo aquí o escribiendo a:
Geor1756@gmail.com o haga su pedido en http://www.blurb.com/bookstore/detail/801776

Haga sus pedidos con tiempo. 22 días tiempo de entrega.
Descuentos por 20 o 40 libros. Se puede incluir el logo de su empresa.

El cofre del dolor

2009-07-22T06:37:00.001-07:00

¿Quién escuchará mi llanto?
si al lado de mi cama solo hay un sillón vacío
que con los brazos abiertos
recibe el cofre del dolor
que ha envenenado mis entrañas hasta hoy.
¿Quién encenderá la vela en mi soledad?
tendré que hacerlo si no quiero tropezar
en los obstáculos que me pone la vida
y seguir derritiéndome hasta el final.
En la noche de la piel yace mi cuerpo
adolorido de correr tras espejismos
inventados como excusas contra la aburrición
monótona, monosílaba, monoaural de los días.
Gritaría si sirviera de algo
si me diera sentido
si aliviara el peso que he aprendido a soportar
y que se incrementa...

Julio 09

No hay regreso

2009-07-21T14:40:00.001-07:00

Tengo los cachetes rojos
la boca seca de solo imaginar...
De solo imaginar
lo que sería estar contigo
se me eriza la piel sedienta de contacto
que se estira para tocarte y se me afina el olfato para adentrarme...
Las imágenes que llenan mis ojos cerrados
provocan que se me abulte el pantalón
-que trato de disimular para que no lo notes-
me como tus palabras que exprimo hasta el sumo perfumado rociado en mis cabellos.
Disimulo el encantamiento pero tu oyes mi corazón acelerado y mi voz temblorosa
que poco a poco humedece tu jardín deseoso y deseado.
Me resisto y lucho para no dejarme ir en el precipicio del placer
en el infinito cuerpo de tu ser insondable misterioso y mágico
de donde no hay regreso.

Julio 09

ES UN HECHO: El libro LOS MONTES RESPIRAN o THE MOUNTAINS BREATHE está en PHOTOGRAPHY BOOK NOW 2009 Y YA LO PUEDES CONSEGUIR EN Blurb.com

2009-06-23T07:27:00.000-07:00

“Una buena imagen no se consigue sólo con la cabeza, también con el corazón. Los criterios son una buena idea, un concepto claro, una comunicación convincente y un equipo fiable.” Jo Van Der Burg ( Fotográfo alemán, 1953)

Tocar el cielo con una imágen se asemeja a escribir un buen verso; eso fue lo que me transmitió el conjunto de las fotografias que presenta Jorge Luis Ramírez en este libro. Un compendio de su vida, una retrospectiva en imagenes de como el ser humano se redibuja junto a la naturaleza y hace de ella su vivencia cotidiana.

El ojo acusioso, la idea en sí misma, comunica en el entorno de lo macro a lo micro y viceversa, la vivencia del hombre siendo parte el artista de este paisaje natural desde su infancia, encontrandose a sí mismo en cada una de las piezas como parte de un rompecabezas que con el tiempo se une para ser uno solo en sí mismo, el conjunto.
Sayira Cerdas Díaz
Directora Ejecutiva
Artmedia

“A good image does not come from the head alone, it comes from the heart also. The criteria are a good idea, a clear concept, a convincing communication and a trust worthy equipement.” Jo Van Der Burg
( German photographer, 1953)

Touching heaven with an image is like writing a good poem; that is what this group of photographs, that Jorge Luis Ramírez presents in this book, transmitted to me. It is a compendium of his life, a retrospective in images of how the human being redraws himself along with nature and makes of it his daily life.

The thorough eye, the idea itself, communicates in the realm of the macro and the micro and viceversa, the experience of the man being partly the artist of the natural scenery since infancy, finding himslef in each piece as if it were part of puzzle that comes together with time becoming one in itself, the whole.
Sayira Cerdas Díaz
Directora Ejecutiva
Artmedia

Para ver el libro y comprarlo, visite: www.blurb.com y escriba el nombre del libro en inglés en el cuadro de búsqueda.

Siguiendo ciegos

2009-06-09T09:11:00.000-07:00

Distorsiona el agua tu rostro
no puedo ver
el humo celoso envuelve tu cuerpo en secretos.
No puedo ver mis pies
ni el pene erecto que busca tu humedad
tampoco mi pecho depilado por pirañas criticonas.
Las olas palpitantes
no pueden chocar
las mareas de celo no se encuentran sin la carne
y los huesos se secan de tristeza.
Juegan desnudos
intoxicándose de muerte
entran arrodillados al templo siguiendo ciegos.

05-08

Cambio

2009-06-09T09:04:00.000-07:00

La roca se derritió bajo mis pies
aprendí a caminar sobre agua
sin domicilio
donde yacen los cadáveres que engendraron seguridad
no pudieron con la duda del cambio perenne.

11-08

Deseo Animal

2009-06-09T09:03:00.001-07:00

Las pequeñas arrugas entre tus dedos, tus suaves cabellos detrás de tus orejas,
el calor que despide tu cuello al palpitar excitación.
Cabezas de agua que arrasan con furia los pies de mis creencias perdido entre las sábanas, demonios danzan alrededor.
Selva de emociones,
al caminar tu cuerpo que me quema, me consume y me seca.
Cuerpo deseado en oculto
prohibido por hipocresías sagradas.
Pulsa la vida entre las garras y el pelo, entre los colmillos y la erección.

05-08

Rieles asustados

2009-06-09T07:50:00.000-07:00

Espero que el tren de los payasos llegue a tiempo antes de que suene la alarma y disparen a los que tienen los ojos vendados y corra la sangre de los rieles asustados y salten las chispas enceguedoras de un planeta que gira a toda velocidad hacia el encuentro de las manecillas a las doce veces que me veo en el anden divisar el horizonte en llamadas anónimas de un número privado que no deja mensajes.

9-08

Los Pájaros Lloran

2009-06-09T07:47:00.001-07:00

El aire caliente golpea mi cara con los guantes gruesos de mi cofre y el espejo me hincha los ojos al escupir las piedras filosas notas de un concierto de tambores de barro que no recuerdo.
Entre realidades contradictorias y bosques quemados donde las llamas bailaron toda la noche hasta los pájaros lloran y caminan enlutados para ver la tumba árida y gris de las manos asesinas.

9-08

Nido Paraíso

2009-06-09T07:46:00.000-07:00

Las serpientes se me arrollan en las piernas y me cubren el cuerpo y con ellas la noche prohibida y culpas de placeres negados de veneno bebido de reclamos de la gente buena.
Nido paraíso
Puerta al sudor... dolor purificante camino de la noche.

11-08

La Tumba del Amor

2009-06-09T07:45:00.001-07:00

Amor muerto alumbra las calles de recuerdos que se ríen hediondos al saberse que el mago desapareció y que sus caballos se mueren de ilusiones y estrellas en el sombrero que sostenía palabras mohosas y verdes de pan rancio que los cuervos escupieron frente a la tumba del amor.
10-08

Comentario de Cultura CR. com sobre la exposición TEJIENDO SUEÑOS

2009-05-24T06:54:00.000-07:00

Tejiendo juegos y descubrimientos

Jorge Luis Ramírez da a luz una colección de trabajos que titula Tejiendo sueños y expone inicialmente en el Instituto Cultural Mexicano.

Culturacr.net., marzo de 2009, San José, Costa Rica

Encuentro/taller para aspirantes a escritores y lectores

Haga amigos con intereses comunes y aprenda
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Jorge Luis Ramírez ya expuso sus fotografías en la Galería de Arte de CulturaCR (en proceso de reconstrucción), en lo que sería su primer paso hacia esta colección de imágenes que ahora titula Tejiendo sueños.

El fotógrafo inauguró su trabajo el pasado lunes 4 de mayo en este centro cultural josefino, en donde la obra estará disponible hasta el 18 de mayo. No obstante, el creador espera llevar su obra a otros espacios de arte disponible para que muchos puedan apreciar y adquirir su trabajo ya enmarcado y listo para jugar en las paredes de alguna casa.

Jugar, sí. Las imágenes de Jorge Luis Ramírez son para jugar con posibles formas, significados y apreciaciones, son fotografías "jugadas" con fotoshop, pero con descubrimientos concienzudos de imágenes e ideas que se desplazan.

El fotógrafo juega con cuadrantes y a partir de una o más fotos genera una fotografía "arreglada" que produce un nuevo efecto en la vista. Descubre, redescubre y nosotros descubrimos de nuevo, dialéctica del proceso de comprender y apreciar su trabajo.

En simetrías, imágenes escindidas en dos, se pueden apreciar nuevas imágenes que nos gustan y nos retan. "Me siento indígena", ha dicho Ramírez.

"Un mundo mágico donde residen arquetipos, los dioses y los demonios que eran muy conocidos por los pueblos indígenas pero que hoy día menospreciamos por haber perdido el contacto con lo irracional y lo primitivo", amplía a CulturaCR.

Él sostiene que es "el contacto con las imágenes sico-mágicas, con el mundo inconciente y la habilidad de soñar y entender esos sueños". Por eso podemos ver dragones, genitales femeninos en el centro de una escisión natural, senos aborígenes que se rebelan ante los estereotipos, lapas que se aglomeran hasta perder su identidad y convertirse en edificios de amarillo brillante, entre muchos otros antojos que podamos tener.

Ramírez afirma que su obra es un re-encuentro con Carl Jung, un "conocer estos procesos internos y profundos para tener una conciencia más libre y sana".

Tutti Claverie Carlow, curadora de la muestra y directora de la Galería Carlow y Co sostiene: "Como resultado veremos en ellas como los mundos animal, vegetal, mineral y humano se funden en la transmisión del mensaje apasionado y creativo de Jorge Luis, quien esculpe imágenes abstractas a través de la fotografía y que para algunos podrán ser hermosas como un poco inusuales".

Las obras están en venta y pueden ser adquiridas con el autor o poniéndose en contacto con CulturaCR.

Los medios de prensa más importantes del país dieron cobertura a la exposición TEJIENDO SUEÑOS

2009-05-13T15:11:00.000-07:00

Mandala foto de la exposición.

La revista Perfil
http://www.perfilcr.com/contenido/articles/2005/1/Jorge-Luis-Ramirez-expone-Tejiendo-Suenos/Page1.html
La Prensa Libre
http://www.prensalibre.cr/pl/component/content/article/47-abanico/815-dos-destacadas-exposiciones-en-el-instituto-cultural-de-mexico.html
Informa Tico.com
http://www.informa-tico.com/index.php?scc=articulo&ref=06-05-090003&noti=1
Vuelta en U.co.cr
http://www.vueltaenu.co.cr/index.php?option=com_content&task=view&id=10256&Itemid
Red Cultura. com
http://www.redcultura.com/php/event_detail.php?id_agenda=3934

En estos links pueden leer los diferentes comentarios que se hicieron sobre la exposición.

La Nación publica nota de más de media página sobre la Exposición de Fotografías TEJIENDO SUEÑOS.

2009-05-07T16:11:00.000-07:00

http://www.nacion.com/ln_ee/2009/mayo/07/aldea1956189.html
En este link podrás leer la nota publicada en La Nación sobre la exposición de fotografías TEJIENDO SUEÑOS. Esta nota es la extracción de una conversación casual con la periodista Ana Nieto, una española muy simpática que hace su práctica profesional en nuestro país.
Espero que la nota les anime a visitar la sala y experimentar las fotografías frente a frente. Y los que no pueden por distancia o tiempo pueden visitar el link de la entrada anterior.
Personalmente agradezco a todos los que amablemente me han dado retroalimentación porque esto me impulsa a seguir adelante. A los interesados en adquirir las obras, les recuerdo que solamente se harán cinco copias de cada fotografía, así que no dejen para el final su pedido. Escribanme para ordenar su copia. Si está fuera del país, también hacemos envíos internacionales.
De nuevo muchas gracias.

EXPOSICION “TEJIENDO SUEÑOS“ en el Instituto Cultural de México

2009-05-05T16:52:00.000-07:00

http://picasaweb.google.com/Geor1756/TEJIENDOSUENOS#
En el enlace de arriba pueden ver todas las fotos de la exposición que está abierta al público hasta el 18 de mayo. Ayer fue la inauguración y hay algunas personas que me manifestaron interés en comprar algunas obras.

EXPOSICION “TEJIENDO SUEÑOS“ el lunes 4 de Mayo en el Instituto Cultural de México

2009-03-30T14:50:00.000-07:00

Jorge Luis Ramírez nos lleva en un conmovedor viaje por los caminos primitivos de nuestro inconciente. Desde el Big Ban de nuestra concepción hasta la descomposición de nuestro ser en millones de granos de arena.
Le esperamos en Barrio Los Yoses, en el Instituto Cultural de México, el 4 de Mayo a las 7:00 p.m.

Curadora: Tutti Claverie Carlow
Impresiones en color: Chris Lars Marshall

FOTOGRAFIA ARQUITECTONICA SAN JOSE 2009

2009-03-17T13:09:00.000-07:00

Ahora puedes conseguir mis trabajos también en:

2009-03-17T10:07:00.000-07:00

Respiran los montes

2009-02-11T15:43:00.000-08:00

Redondeados y ondulantes
respiran los montes
reteniendo secretos
en su corteza agrietada
por estrías de muchos nacimientos.

2008-11-22T08:14:00.000-08:00

Esta es una muestra de la colección de Musgos. Una colección de fotos de detalles de contrastantes texturas en un mundo maravilloso de cosas pequeñas que parecen grandes. En esta foto parecen estrellas sobre un fondo nocturno las pequeñas plantitas, en una hendidura de la roca. Recordándonos que el Universo es gigantesco y que somos tan pequeños.

2008-11-09T05:41:00.000-08:00

Me enconcho en la piel de mis dedos que se prolongan hasta encapullarme y apartarme del tiempo.
No quiero nacer al filo de la verdad que golpea incesante contra las rocas fetales y desgastadas.
Me cubro de la insistencia de la lluvia que invade linderos.
Me escondo de compañía falsa tan cálida como el rojo de un granizado.

Se rompen los cayos
se punzan las manos de la piel corrugada de donde brota la leche peluda y áspera que grita impaciente las ampollas cocidas en todo mi cuerpo.

La presentación del libro WE ARE NATURE se dió en un ambiente íntimo de viejos amigos

2008-10-18T15:53:00.000-07:00

Sin duda fue muy atinado el brindis de Carlos Francisco Echeverría al describir el evento como mi regreso a la escena artística del país. Ahora lo que me toca es continuar exponiendo y presentado el trabajo realizado durante 38 años.
Agradezco a todos los que fueron y a los que no pudieron asistir, y al Instituto Cultural de México por haber abierto sus puertas y por toda la ayuda prestada.
Los comentarios de los asistentes están muy bien resumidos en esta presentación que escribiera Cachicho -como le conocemos con cariño- y que publico seguidamente. Las fotos del libro las puede ver en: WE ARE NATURE. El libro está disponible en www.blurb.com y las fotos tienen un precio de $1,000.00USD.

La piel como paisaje
El arte es arte solamente si nos abre nuevos espacios de reflexión. Las artes plásticas, en particular, nos ponen en contacto con dimensiones del mundo físico que tendemos a ignorar. Desde la antigua Grecia, el desnudo realista ha sido un ejercicio artístico habitual, tanto por su potencial expresivo como por las exigencias técnicas que impone. La historia del arte registra millones de desnudos. Pero pocos, muy pocos autorretratos al desnudo. Un autorretrato al desnudo es algo más que una obra de arte. Es un acto de valentía psicológica. Una exposición del propio cuerpo como si fuera un paisaje, en el que se reflejan las huellas de la edad y de la vida. Una prolongación en el tiempo de esos momentos, con frecuencia estremecedores, en que nos sorprende el espejo del baño; de esos momentos en que nos preguntamos si en verdad ese, o esa, somos nosotros.
En Tlön, el mundo fantástico que Borges imaginó, los espejos y la cópula se consideraban abominables, porque multiplican al infinito las desventuras de los hombres. Fotografiarse a sí mismo desnudo es derrotar, o haber derrotado de antemano, esos temores. El enfrentarnos brutalmente a lo más mortal de nuestro ser nos induce a ver más allá, a buscar lo imperecedero. De esa manera, este arte plenamente físico nos abre la opción de mirar hacia lo espiritual, hacia lo que trasciende la materia. Por eso, estas fotografías tenían que ser en blanco y negro. El blanco y negro nos obliga al “distanciamiento”, como decía Brecht, sin el cual es imposible una reflexión profunda.
Estas fotografías tienen también una dimensión social, cultural. La publicidad y el periodismo sensacionalista de nuestro tiempo han hecho del erotismo visual una moneda gastada, y han consagrado estereotipos del cuerpo humano más allá de los cuales todo parece despreciable. Si las y los modelos que nos recetan los anuncios se ven como esas casas nuevas, construidas en serie, los cuerpos fotografiados por Jorge Luis Ramírez son casas habitadas, con vida, con carácter, con memoria. Estas fotos son una reivindicación del cuerpo real, en toda su maravillosa imperfección. Y ay del que pasa por la vida sin haber aprendido a amar un cuerpo imperfecto, propio o ajeno.
Con la misma intensidad con que vive su vida, Jorge Ramírez usa su cámara para abrirnos la mente y el corazón a nuevas dimensiones. Eso es arte.
Carlos Francisco Echeverría

Pedro Meyer, fotógrafo mexicano, inicia exhibición de fotografía en 60 museos alrededor del mundo en Ocutbre 2008.

2008-10-11T06:27:00.000-07:00

Pedro Meyer’s Heresies is a retrospective comprising four decades of groundbreaking work by one of the world’s most innovative photographers. The Heresies exhibit — opening simultaneously in 60 museums worldwide in October 2008 — will also create a revolutionary new paradigm for exhibiting photographs in museums. Vea detalles en www.pedromeyer.com

Viudas libres

2008-10-05T08:49:00.001-07:00

Mis palabras cortan los sueños derretidos en el más intenso frío y la niebla se pega al cuerpo partido que los perros vomitan.
El filo del viento brilla ante las candelas extintas del invierno negro de las viudas libres.
Música lejana ensordece el fuego de basureros hediondos de pelos desgreñados.
Alfombras de vidrios quebrados hieren corazas falsas que se hunden en sangre.

9-08

Charla dada por Jorge Luis Ramírez al FotoClub de Costa Rica en Agosto del 2005

2008-09-30T07:50:00.000-07:00

ENCONTRANDO SIGNIFICADO

Puedes tener el mejor equipo, la mejor técnica, pero si no tienes nada que decir, eso no sirve de nada.
Todos decimos algo. Puede ser superficial o profundo; aburrido, o interesante. Creo que el proceso creativo se da sin que nos demos cuenta, es decir, que escapa a nuestra conciencia. Esto no implica que la creatividad sea fruto de la casualidad y del azar. Aunque el proceso es en gran medida inconsciente, esto no quiere decir que sea desordenado, sin estructura, ni sin control. Más bien demanda un estudio previo y profundo, que nos lleva a explorar temas muy diversos y que aparentemente no tienen que ver con la fotografía. Tales como: Religión, sicología, filosofía, arte, antropología e historia entre otros.
Entramos en un mundo subjetivo, emocional, interno, y profundo, donde se producen los fenómenos que nos mueven a buscar un determinado sujeto, fotografiarlo, y derivar de este quehacer algún tipo de gratificación en el mejor de los casos. Otras razones que nos pueden mover serían: evidenciar algún tipo de complejo, dar explicación a nuestra existencia, o recrear un mundo interno, etc.
La fotografía como expresión artística nos transforma, transforma el entorno, lo interpreta y resulta ser un retrato de nosotros mismos y de nuestra sociedad. Por esta razón nos sirve en el proceso de conocernos a nosotros mismos, de aceptarnos, o negarnos. Este proceso dura toda la vida, y exige un compromiso, con el proceso artesanal, con el sujeto, y con nosotros mismos.
La fotografía vista como un pasatiempo no deja de ser un juego evasivo, de superficialidad y poco interesante, que nos deja vacíos. Este tipo de fotografía esconde a su autor y con él las riquezas de su proceso de crecimiento, que es en último análisis el único contacto que el observador tiene para entrar en la fotografía y vivenciarla como lo hizo su autor.
Lo que comparto con ustedes es producto de mi experiencia, y como tal es totalmente subjetivo. Nada de lo que expongo es palabra grabada en piedra, no creo que exista una verdad absoluta para todo el mundo. De hecho, mi exposición es mi verdad únicamente, y representa parte del sentido de mi vida aquí y ahora, mañana podría cambiar.
Creo por lo tanto en un trabajo de años, de un proceso, de muchas fotos, de significado que se descubre, se complementa, que crece y hasta se contradice, pero todo dentro de un hilo conductor que evidencia, conforme se suman los años y las fotografías, la vida de un ser humano. Sus intereses, sus temores, sus amores, sus reclamos, sus dolores, sus expectativas, sus creencias y todo lo que lo compone.

“El artista ha sido en todos los tiempos el instrumento y portavoz del espíritu de su época.” Dijo Karl Jung.

Paul Klee escribió: “Cuanto más horrible se vuelve este mundo (como es en nuestros días) más abstracto se vuelve el arte; mientras que un mundo en paz produce arte realista”.

La abstracción pura se ha convertido en imagen de la naturaleza concreta.
Lo abstracto es lo no simbólico, y por lo tanto, lo conocido (el símbolo) no nos lleva a lo desconocido. Cesa por consiguiente el proceso dialéctico entre lo inconsciente y lo conciente.
Lo abstracto es naturaleza pura, o el propio inconsciente. Resultan imágenes más o menos exactas de la propia naturaleza, mostrando una semejanza asombrosa con la estructura molecular de elementos orgánicos o inorgánicos.
Esto conduce a saber que el artista no es tan libre en su labor creadora. Si la realiza de una forma más o menos inconsciente, ya que estará regida por leyes de la naturaleza, que en el nivel más profundo corresponde a las leyes de la psique y viceversa.

Entendemos esto si lo contraponemos a la utilización del símbolo.
Pero cómo?
En la fotografía de finales del siglo XX varios fotógrafos dieron expresión a su visión interior del hombre, el fondo espiritual de la vida y del mundo.
En este proceso podemos citar a Stiglietz con sus fotografías de nubes. Edward Weston con sus chiles y fotografías de piedras en Point Lobos, hasta Jerry Ulseman, y Arthur Tress con sus fotos de sueños.
En las fotografías de Ansel Adams o de Weston podemos sentir que las piedras tienen vida propia, o se siente el espíritu de las montañas.
Su meta era el centro vital de las cosas, se convirtió en fotografía mística si se quiere.

Kandisky dice: “Los ojos del artista han de volverse siempre hacia su vida interior, y sus oídos han de estar siempre alerta a la voz de la necesidad interior. Esta es la única forma de dar expresión a lo que ordena la visión mística.”

“Ya no intento “expresarme a mi mismo”, para imponer mi propia voluntad a la naturaleza; lo que busco, sin prejuicio ni falsificación, es identificarme con la naturaleza, ver o conocer las cosas tal como son, su verdadera esencia; de modo que lo que plasmo no es una interpretación-mi idea de lo que debería ser la naturaleza- sino una revelación: una abertura en una cortina de humo…”
Edward Weston

Paul Klee habla de reproducir lo que se ve secretamente. O ver más allá de la apariencia.

Como dice Jung: “Proyectar parte de la psique en la materia y objetos inanimados. (Los salvajes) proyectaban su propia oscuridad, su sombra terrenal…
Se infiere un proceso, de estudio, de desarrollo de la sensibilidad, de aprender a ver (más allá). De enfrentar demonios, el inconsciente, el lado oscuro. Y de llegar a una reconciliación de los opuestos consciencia e inconsciente. Y por esto se desarrolla un lenguaje que deberá ser aprendido como una lengua extranjera, para poder juzgar la obra. Ya que resulta difícil reconocer si la intención del artista es auténtica y espontánea y no un esfuerzo efectista o imitación.”

Surge aquí la cuestión de TOMAR FOTOGRAFÍAS o HACER FOTOGRAFÍAS
Hacer fotografías es lo que llamó Ansel Adams, VISUALIZACION.
Esto es ver el resultado final cuando se está viendo por la cámara.
Y no solo incluye la parte técnica, desde el lente a usar, exposición, luz, enfoque, etc, sino que incluye la intención.

El significado de nuestro trabajo fotográfico es el resultado de nuestro crecimiento como seres humanos, y tendrá eco en la medida en que sea fruto del esfuerzo honesto y continuo de la búsqueda para llenar el vacío existencial, (de la necesidad de la vida).

Jorge Luis Ramírez
San José, Agosto 2005

Presentación del libro “Bajo el techo de la lluvia!“

2008-09-18T17:07:00.000-07:00

En un acto sencillo y muy íntimo se realizó la presentación del libro “Bajo el techo de lluvia“.
En medio de estantes de libros y de compradores que transitaban por la librería Lehman, el escritor y compilador Guillermo Fernández, se dirigió al grupo de escritores que asistimos con gran entusiasmo y agradeció a Margarita Mora de la librería Lehman por su valiosa colaboración en la edición del libro.
Luego de los saludos entre excompañeros del taller y de los autógrafos, pasamos a brindar y compartir como lo hicimos muchos sábados por la tarde el año pasado.
Realmente ha sido una linda experiencia compartir con personas talentosas e inteligentes, y es un honor formar parte de esta antología con cada uno de ellos. Algunos seguimos en el trabajo creativo y pretendemos seguir publicando.
Saludamos a los excompañeros Antonio Chamu por sus éxitos al ser escogido para publicar un cuento suyo en una antología de escritores menores de treinta años, y a Karla Sterloff al ganar el Premio Centroamericano de la Asociación Costarricense de Escritoras. Otros continuan trabajando por satisfacción personal.

WE ARE NATURE, libro de fotografia, PRESENTACION EL 17 DE OCTUBRE EN EL CENTRO CULTURAL DE MEXICO A LAS 7 PM. QUEDAN INVITADOS.

2008-09-09T16:09:00.000-07:00

El 17 de octubre estaré presentando el libro de fotografías WE ARE NATURE . El libro está a la venta en www.blurb.com donde puede ordenar las copias que desee. El día de la presentación voy a tener a la venta libros a ¢30.000.00 y 10 fotografías montadas en $500.00

"Todo arte es erótico" escribió Adolf Loos en un artículo a principios del siglo XX, en el que quiso desacreditar a Gustav Kimt, llamándolo: Criminal, degenerado.
La cosa no ha cambiado mucho en un centenario.
Este trabajo se inició hace diez años, más o menos. Me di cuenta que si quería evolucionar no podía ignorar los setenta y dos kilos de huesos y carne que cargaba. Al mirarme desnudo en un espejo me daba vergüenza, no me aceptaba, ni me gustaba. El erotismo tiene que ver con ese proceso de aceptación personal de la imagen propia y del otro u otra. Y no solo de aceptación, sino de que ese mirarme y mirar al otro u otra, tenga una experiencia placentera. En este libro pueden ver los cuerpos de personas que les despertarán diversas emociones.
Las explicaciones y justificaciones solo limitan la obra, así que les invito a observarla y a observarse a ustedes mismos, quizá les ayude a descubrir lo que en realidad son... o lo que pueden llegar a ser.

Tierra vaporosa

2007-11-06T06:08:00.000-08:00

Yacía sobre la tierra vaporosa
y agrietada por donde se escapa
el rojizo resplandor del magma interno.
El charco de agua cristalina y azul
tan transparente como el alma
y tan densa como un espejo.
Por donde me asomo
y te veo dentro y donde
también me reflejo perplejo.
Gotas de lluvia se deslizan
sobre el metálico líquido
que brota como burbujas
etéreas en el espacio de tu respiración.
Que todo nubla con el gris
del vapor que exhalan
las fosas de tu nariz.
En un universo único y lejano
donde la sed nunca se alivia,
sino que se bebe del agua quieta
y tranquila que luego corre
por entre tus piernas,
entre tus dedos, entre tu pelo.
Los remolinos a los espacios negativos,
a las contracorrientes de burbujas
que explotan al ser liberadas
al entrar a ser parte del aire, del cielo.
Viajan hacia arriba, sombrillas voladoras
que ondean al soplar el viento y reflejan
el arco iris en la bóveda
que las empuja hasta desaparecer.

Lavando ropa

2007-11-06T06:06:00.000-08:00

Fuimos a visitar a tu amiga recién llegada,
quería conocerme.
Lloraba porque no sabía a cual de todos amaba,
se acostaba con todo el grupo.
Desnudos la abrazamos mientras se lavaba la ropa.
Uno de ellos quería que le lavara la ropa y le diera de comer,
pero todos los platos estaban sucios en el fregadero.
Tu amiga lloraba mientras la acariciábamos en todo su cuerpo.
Me dio hambre, cogí pan y mantequilla de mani y mermelada,
y tu te comiste la mitad, y enojado bote el resto.
Y me quedé con hambre, por arrogante, sin saber que en los sueños no se come.

Olas de mis ojos

2007-11-03T08:19:00.000-07:00

Tu silencio me corroe,

las olas
de mis ojos
comen el pesado metal de mi sordera
y golpean en mi barca
que enmudece ante el vacío
de no saber de tí.

Cúmulos de algodón

2007-11-03T08:14:00.000-07:00

Nube lenticular
sobre tus pechos verdes.
Refractando
colores pensamientos
gotitas de sudor
que brotan de tu piel.
La garzas se agitan en mi pecho
y en bandada se apresuran a volar
dejando huellas en el agua y en el viento.
Tus pastizales redondos alimentan
caballos que corren
por tus caderas, por tus rodillas.
Cúmulos de algodón
se levantan en el horizonte
anunciando la sombra, el fresco, el agua.
Los charcos tiemblan al caer la lluvia,
y una sensación de alivio
llena de silencio y de besos el aire.

Agua enamorada

2007-11-03T08:09:00.000-07:00

Chispazo en la montaña
del mar salieron muertos
sopla el viento la llama y alza fuego
incendiando olas, playas y tiempo.
Contacto, fricción
nuestros cuerpos arden
carbones de sueños y amores
en este río de lava
palabras incandescentes.
Salen cadáveres, fantasmas
agitados aullando por caminos
añejos y vencidos,
sombras, ataúdes sellados.
La represa , se agrieta, se vence,
el agua enamorada fluye
inundando cementerios.

Palabras

2007-11-03T08:07:00.000-07:00

Ya no me quedan palabras
que carguen en sus lomos
la sangre.
Se esconden,
se escapan, se resisten a llorar
y bautizarme en sal.
Palabras no me abandonen
no me dejen solo con
este amor.
Cárguenme, abrázenme, no
me dejen solo y mudo que
no quiero que desaparezca
la boca en mi rostro.
Sigan llegando, sigan cantando,
sigan amando mi jazmín, sigan
regando mis jardines,
ahora lloren y giman
traigan lo que hay dentro.
Menstruaciones de amores que
no germinaron.
Palabras hediondas, hirientes,
con picos y espinas.
Límpienme palabras,
vístanme de blanco para una
boda de palabras
de besos, de higos en miel,
entre dalias, entre bordados,
entre los brazos enredadera
de mi amada.

No tengo con qué pagar

2007-11-03T08:02:00.000-07:00

Se quebraron los sueños
ya no puedo soñar
se secó el llanto
ya no puedo llorar
se paralizó el corazón
ya no puedo sentir
se murió la flor
ya no puedo amar
se acabó el tiempo
ya no puedo vivir
se agotó la ternura
ya no te puedo tocar
se congeló el sentimiento
ya no siento emoción
se agolpó la vida
no tengo con qué pagar.

Olas

2007-11-03T07:56:00.000-07:00

En la renovación
de lo profundo
existen lugares escondidos
ciclos eternos de temores
mareas dinámicas
y olas que se rompen
olas que nadie llora
que nadie echará de menos
olas repetidas
fluyen del fondo
incansanbles
no temen su destino
gratuitas
dan ilusión de permanencia
sin razón
solo son
solo nacen y mueren
solo nacen y mueren
hijas del viento
se desvanecen
una sobre otra
láminas de una historia
que nadie lee
nadie cuenta
que a nadie importa.

Círculo sin principio

2007-11-03T07:53:00.000-07:00

No supe si era la hora
crepuscular del día que muere
o si la aurora
con nuevas promesas
luz naranja rasaba las crestas.
No supe si era el momento de partida
o el tiempo de llegada
ciclo sin fin
círculo sin principio.
Busqué mis pisadas en la arena
que cambia amorfa
como la superficie del mar
sin faro ni estrellas
estaba perdido.
Me sentí en casa
me sentí lejos
me sentí embrión
me llené de temor.

¿Qué importa si Jesús no resucitó?

2007-11-03T07:33:00.000-07:00

Si nos importa tanto, entonces somos unos grandes hipócritas.
No sabemos qué pasa luego de nuestra muerte. En caso de que existieran, ni siquiera sabemos si vamos a ir al cielo, o al infierno, ya que no podemos juzgarnos a nosotros mismos.
Hay declaraciones en al Biblia que dicen, (en las cartas de Pablo) que no vamos a salvarnos si no es por la gracia de Dios, expresada en el sacrificio vicario de Cristo. Pero se ha argumentado por teólogos eruditos que las obras cuentan también. Dando pie a la eterna y estéril discusión entre el predestinamiento, y su contrario, la posición de libertad, o libre albedrío.

Esto no tiene sentido, si leemos las enseñanzas más sencillas del Maestro.
Ama a tu prójimo… a tu enemigo. Concepto muy bien ilustrado con la parábola del buen samaritano.
Se debe ser responsable, concepto implícito en la parábola del sembrador.
Si alguien te pide que vayas con él 1 km, ve con él 2km. Concepto que habla de generosidad, lo que hoy llamamos en nuestra cultura de atención al cliente, dar más de lo que él esperaba..

También las bienaventuranzas son joyas de sabiduría que han permanecido con nosotros durante casi 2000 años. Y así podríamos enumerar más.

La pregunta que tenemos que hacernos es: ¿Voy a considerar mi estilo de vida “beato y bueno” como una pérdida de tiempo al saber que Jesús no resucitó? ¿Voy a cambiar mi vida por ese hecho?
Si he estado haciendo cosas “buenas” por las razones equivocadas, de nada sirve que él resucitara tampoco. El engañado siempre he sido yo.
Entiendo que las iglesias institucionales reaccionen contra la afirmación de que Jesús no resucitara, ya que todo su poder, modo de vida, economía se ve en peligro de desaparecer, ya que dependen del dogma de la resurrección.
Pero la institución no muere, entonces ¿qué le puede importar resucitar? La institución no es una persona.

No conozco nadie que haya practicado aunque fuera en una forma pequeña las enseñanzas de Jesús, que se haya arrepentido. Quizá haya tenido que enfrentar críticas y persecución, pero estoy seguro que su convicción de estar haciendo lo correcto, no porque fuera al cielo luego de su muerte, si no porque era una creencia interna.
Si usted ayuda a un enemigo suyo, tenga por seguro que va a ser criticado, e insultado. Si usted respeta los puntos de vista de otro, le van a decir cobarde, adulador. SI usted pone la otra mejilla, le van a decir cobarde.

En la sociedad enferma y violenta en la que vivimos, donde los pastores nos sacan la plata por T.V. donde los curas se niegan a ayudar a adolescentes travestis a escapar de una infancia de prostitución. Donde los sacerdotes y pastores, se han convertido en violadores, y abusadores de niños, niñas, mujeres y hombres, qué importa si Jesús no resucitó.
La prioridad de muchas personas en el mundo es conseguir su próxima comida, no divagar sobre cosas que pueden o no haber sucedido hace miles de años.
Los que se dedican a estas lides, son los que ven las posibilidades de hacer plata fácil. A cambio prometiendo algo que no depende de ellos cumplir.
La ignorancia teológica, y el analfabetismo espiritual de las sociedades son elementos clave para perpetuar ese poder institucionalizado en las iglesias.
La gente común no tiene el nivel, ni el interés de asumir su responsabilidad espiritual, y de la misma forma que envían sus hijos a la escuela para que los “eduquen”, así se tragan la religión enlatada que les calma la conciencia y les da una sensación de seguridad.
El hecho de cumplir con una cierta cantidad de ritos vacíos, de dar limosnas, diezmos, u ofrendas, les brinda la seguridad de una sociedad consumista que todo lo arregla pagando. Entonces, si cumplí con los requisitos, no le hago mal a nadie, eso me exime de culpas y listo.
El Cristo llevó mis pecados, estoy libre, y como él resucitó, yo también voy a ir al cielo con él. Mejor receta, ni las que da Tía Florita.
Pero la vida no es tan sencilla, ni hay recetas. Lamento informar que nadie a podido probar ni la resurrección, ni tampoco el hecho contrario.
Pero como este caso hay muchos: la concepción virginal, las plagas de Egipto, la resurrección de Lázaro, el rapto de la iglesia, el fin del mundo, para mencionar unos pocos.
Lo que quiero resaltar es que ninguno de estos hechos, si se dieron en realidad o no, cambian la excelencia y la sabiduría de las enseñanzas de Jesús, que encontramos en los evangelios. Enseñanzas prácticas con validez actual, y que nos pueden resultar si las practicamos en grandes beneficios. El único problema es que para poder practicarlas primero hay que estar dispuestos a crecer, a dejar los atajos, a desarrollar carácter, y madurez. Hay que estar dispuesto a sufrir, a ser generosos, a perdonar, a ser honestos, no mentirosos. Hay que estar dispuestos a asumir responsabilidades, y dejar las infantiles reacciones de: yo no fui, yo no se, eso no me toca a mí, y me las va a pagar.
Entonces, cuando hallamos aprendido a amarnos a nosotros mismos, y amar a nuestro vecino, quizá entonces podamos empezar a meditar sobre estos otros grandes misterios.
O talvez nos vamos a dar cuenta que entre más atención ponemos a estos asuntos, más tendemos a separarnos, dogmatizarnos, hasta entrar en guerras encendidas y alimentadas por el combustible de la intolerancia y del fanatismo.
Mientras tanto sabemos que existe una demanda altísima por esta salida fácil, que es hábilmente aprovechada por documentales sensacionalistas, que a su vez causan posiciones cada vez más dogmáticas e igualmente fanáticas, que aprovechan los medios de comunicación.
No existirían drogas si una hubiera una demanda por ellas, no existirían cigarrillos si no hubiera demanda, y aunque estas dos sustancias sean tan dañinas como lo son, la gran mayoría las continua consumiendo.
Mientras la industria de la religión siga teniendo demanda, va a seguir existiendo, aunque nos cause tanto daño como cualquier otra adicción.

La Romería

2007-11-01T19:04:00.000-07:00

La Romería
Juana es una incrédula supersticiosa, extraña combinación, y Pedro es un creyente convencido. Van a la Romería juntos, Juana para evitar una maldición, y Pedro para pedir unos favores a la Virgen.
En su caminar, antes de llegar a Tres Ríos se encuentran a Carlos, ¿un ateo, incrédulo?, que camina hacia su casa desde su trabajo, e inician una conversación.
-¿Por qué no creés que la Virgen te puede dar un milagro? -pregunta Pedro a quemarropa- con un tono de superioridad que da el pensamiento dogmático.
Mientras Juana se da cuenta de las inteciones de Pedro, de avergonzar a Carlos, sigue caminando con la mirada fija en el camino como queriendo desaparecer.
Carlos con voz pausada responde –Porque no creo en un ídolo de piedra, sin vida, lo más primitivo en el Reino Natural. No creo que algo innanimado haga nada por nadie. Lo que creo es que la gente, ciertamente necesita un escape a sus sufrimientos y prefieren engañarse pensando que una piedra vestida, y rodeada de oro les va dar algo.
Pedro enojado, responde: -¡Claro que la piedra no hace nada!, es quien la piedra representa. La Virgen es la Madre de Dios, está en el cielo, y cuando uno habla a su imagen, habla a su Espíritu.
-No sé, -responde Carlos- eso me suena muy complicado.
Un tiempo estuve yendo a una iglesia evangélica, y leía la Biblia. En la Biblia dice que el camino al Padre es Jesús, que la virgen murió como todo ser humano, no es una divinidad, eso ha sido un invento de un Papa.
-Por eso es que yo no creo ni dejo de creer -interrrumpe Juana.
-Cuando era niña padecía de pesadillas y se me aparecía un viejito que nadie más podía ver. Eso es lo que me cuenta mi mamá. Hasta que me llevaron donde una bruja, de magia blanca, creo, y me hizo un trabajito y nunca más tuve esos problemas.
-Vos y tus historias -reclama Pedro. Estás enredando todo. Eso son obras satánicas, por eso vos no recibís milagros de la virgencita, vos no tenés fe.
-Yo le pedí a Cristo que entrara en mi corazón -responde Carlos- y que me ayudara, que me cambiara. Al principio todo era muy bonito, iba a los cultos, oraba, ayunaba y hasta daba el diezmo. Pero ¡diay! El tiempo pasó y me fui enfriando, vieran que mal me fue. Los pastores me dijeron que yo tenía un pecado oculto, oraron por mi para echar fuera los demonios, y luego para anular las malas influencias. Total, me quedé sin amigos, sin familia y sin plata.-
-Eso le pasa por cambiar de religión, -responde Carlos- con la seguridad falsa que da el orgullo.
-Mirá la iglesia católica, es la verdadera iglesia de Dios, tenemos al Papa, los obispos, hay orden. Los curas lo entienden a uno. Mientras uno vaya a Misa y comulgue, dé sus limosnas y se confiese, podés estar seguro que vas pal cielo si te morís. Lo que hay que hacer, es no hacer mal a nadie. Y si cometés un pecadillo, vas y te confesás, y listo.
- ¿Y qué me dice de los violadores y los gay? -pregunta Juana.
No, la cosa no es tan sencilla. Cuando yo era niña, un cura me quiso echar el cuento y hasta quiso tocarme en las partes íntimas.
-¡No me habías dicho nada! reclama Pedro.
-Es que vos sos tan cerrado. Para vos, dios guarde hablar mal de la Iglesia Católica.
-A mi me pasó algo parecido- responde Carlos-. Por eso fue que busqué en la iglesia evangélica, pero, ¡diay!, todas son iguales. Lo único que les interesa es que uno les dé plata, salir en tele, andar en buenos carros y bien vestidos. Unos con trajes caros y otros con túnicas bordadas de oro. Ya ve el caso de Radio María, fue para hacer rico al padre y sus familiares, hasta parece que mataron para ocultar la verdad.
Por primera vez, Pedro se queda callado. Siente que no puede ocultar el sol con un dedo.
-Y no me tomen a mal, -continua Carlos- yo creo en la solidaridad, la ayuda a los pobres, y amar al prójimo, pero lo que me he dado cuenta, es que uno no tiene que estar en ninguna iglesia para hacerlo. De hecho, según me han contado, el Marxismo se trata de que todos somos iguales, no tiene por qué haber unos que tengan en exceso, mientras otros se mueren de hambre.
-Ahora si le dieron por donde le duele- responde Juana.
Mirá -continua- me parece que esta discusión me está agüevando la romería. Total que no se si seguir, o devolverme pa la casa.
-Miren, no quiero quitarles el impulso, -responde Carlos.- Pero yo hasta aquí llego, en la esquina doblo y a los cien metros está mi casa. Con mucho gusto los invito a tomarse un cafecito, o si quieren echarse una miadita, también.
-Bueno, si Juana no se opone, acepto la invitación, -responde Pedro- hace rato me estoy miando.
La casa de Carlos era una casa prefabricada, del tipo de bien social, que construyó él solo. Su poco salario más el bono de la vivienda apenas alcanzó para construir algo habitable. No había puertas internas, casi no tenía muebles. Una mesa de segunda y tres bancos era todo. No tenía cocina, si no una plantilla, y una refrigeradora vieja, parecía que la había sacado de algún basurero. Tampoco tenía cama, sino un colchón en el piso, con cobijas baratas hechas un puño, y sobre un mecate en una esquina de la habitación colgaba toda su ropa.
Este paisaje impactó a Pedro y Juana, que vivían mucho mejor. Y mientras Pedro iba al baño, Carlos puso una olla con agua sobre el fuego para chorrear café. No tenía vasos, solo unas botellas cortadas, en las que sirvió el café que humeaba y desprendía un aroma característico del anfitrión cálido y necesitado de compañía.
-Bueno -empezó Pedro- ¿por qué no crees en Dios?
-No sé, simplemente no lo necesito -responde Carlos-, con ingenuidad.
-Bueno, yo creo que usted necesita muchas cosas -responde Juana.
-Si y no -dice Carlos-. La gente se rodea de cosas para sentirse feliz. Yo no necesito nada para sentirme feliz. -continua- la gente camina grandes distancias, se maltrata los pies y el cuerpo para convencerse, que es el pago del favor que van a pedir, o del que según ellos, ya recibieron.
Hasta cierto punto -considero yo- tratan de impresionar a la virgen, o chantajearla para que los oiga, y les responda. Como si venir de más lejos, o sufrir más, va a ser motivo de ser tomados en cuenta.
-Ya entiendo -responde Juana- es como querer ganarse el cielo, o el milagro. Pero como no tienen plata para dar donaciones -como hacen los ricos- entonces se castigan con estas grandes caminadas que se pegan.
-Nunca le he contado esto a nadie -dice Carlos- agachando la cabeza, avergonzado. Pero yo, antes tuve una bonita casa, carros, muebles y todas las cosas, pero lo perdí todo después del divorcio. Mi exesposa se casó con el pastor de la iglesia y me dejaron en la calle. Pero sé que voy a salir adelante, poco a poco.
Tal vez Dios si exista, tal vez no. Pero eso no es lo importante. Les voy a decir que es lo importante. !Estar en paz, ser agradecido y vivir la vida como venga!
¿Cuánta gente ha sido víctima de la fe ciega de otros? Millones, han sido asesinados, perseguidos, desposeídos, y tantas atrocidades se han hecho en nombre de algún dios.
Dios es un concepto que, a mi modo de ver, ha sido el invento del hombre para dominar otros hombres, sin posibilidad de cuestionamiento.
Por ejemplo, la negrita, fue inventada por un cura. Para apaciguar –según cuentan- los esclavos indígenas, mestizos y mulatos que no querían aceptar la nueva religión monoteísta, machista, impuesta por los evangelizadores blancos, extranjeros, y explotadores.
Así que allí lo tienen, una tradición incuestionable, que se revalida año con año, porque la gente prefiere, creer con fe ciega que sus problemas van a ser solucionados mágicamente, antes de enfrentar con trabajo, con buenos hábitos de vida, y con responsabilidad los retos de la vida.
-Eso dolió -responde Juana-. Yo quería pedirle a la virgen que me quitara las libritas de más que tengo. El doctor me dijo, que si no bajo de peso, la diabetes es inminente.
-A mi también me dolió -dice Pedro-. Yo quería pedirle a la virgen que me pegara la lotería para “soltar unos perrillos”, si no me van a embargar todo lo que tengo. !Ah! y también pedirle por la artrítis de mi mama. Y que me ayudara a perdonar a mi hermano por unas cosillas que me hizo. Y me sanara la úlcera.
-Vieran como lo siento que les haya dolido, pero a veces es necesario sufrir un poco
-responde Carlos-. Aunque les aseguro que apenas están comenzando.
La vida no es nada sencilla, aunque siempre estamos tratando de safar el hombro. En vez de entrarle sin miedo. Y aunque no es fácil llegar a perderle el miedo a la vida, si es posible.
-¡Entonces lo que tengo que hacer es lo que dicen en la tele: ejercicio, dejar las grasas, y los chicharrones, y el pan dulce que tanto me gusta, y voy a perde peso! -Exclama Juana entuasiasmada-. Bueno, por lo menos caminé unos diez kilómetros. –
-¿Si, pero, y yo qué?. Para mi no es tan fácil. Este mae, si me agüevó –exclamó Pedro-.
-Y vos creés que de veras te ibas a sacar la lotería. -Responde Juana-. Mae no sea iluso.
Usted lo que tiene que hacer es ordenarse, y dejar de andar comprando tonteras pa impresionar. Yo sabía que esto de la Romería no era como dicen: “La pomada canaria”.
-Y continúa- es que la gente es muy ignorante, y una quisiera como que los problemas en que se mete, se arreglen como en la tele, rapidito, y ser felices pa siempre.
Pero sabe qué, don Carlos, yo creo que si los ángeles existen, usted es uno que nos envió Dios, porque como decía mi abuela: “No hay que creer, ni dejar de creer.”
-Bueno, muchas gracias -responde Carlos- pero tengo que desilucionarla, porque no soy ningún ángel.
Lo que creo es que somos tan infantiles con respecto a esto de Dios, y la espiritualidad, que no pasamos a otros niveles, no crecemos, nos quedamos en la etapa del chilindrín, que nos fascina con sus sonidos y colores.
Pero en realidad hay tanto por descubrir. No sé, estoy intrigado, créanme, la cuestión de Dios, todavía me preocupa, quizá cuando sea el momento…